/internal/media/dispatcher/79609/fullAcrobatic Composition Using Form and Light (An Attempt at Something Dynamic / A Choreographed Zigzag)2014[Zin Taylor]Zin TaylorC-print, marker on white frameZin Taylors formales Grundvokabular ist abstrakt und minimalistisch: Überwiegend in Schwarz und Weiß gehalten, sind seine Arbeiten oft mit Punkten und Streifen versehen. In der Linguistik spricht man von Signifikat und Signifikant, also vom Bezeichneten und vom Wort selbst, das etwas bezeichnet. Zwischen der Form des Ausdrucks und seiner Bedeutung besteht kein zwingendes Verhältnis, außer die Gewohnheit bzw. die gesellschaftliche Übereinkunft über einen Verweis. Und so verwendet Taylor seine Streifen und Punkte als eine Visualisierung von Sprache und ihrer Performanz und lässt ansonsten abstrakte Zeichen zu Symbolen für Kommunikation werden. — Diesmal geht es bei ihm um die Sprache von Produktion, der Form, die sich über unzählige Gedanken verselbstständigt und einen Dialog mit dem Künstler eingeht. Die Elemente, die Taylor im Studio im Rahmen einer Residency angefertigt hat, hat er schließlich in unterschiedlichen Kombinationen und Formationen arrangiert und fotografiert. Herausgekommen ist eine Geschichte über die Entstehung und Verwicklung von Gedankenströmen – eine Fotoserie über die Produktion von Dingen, wie sie gedacht werden können, nicht, wie sie scheinen. — [Severin Dünser, 04/2016]Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/61001/rdf/internal/media/dispatcher/79608/fullAcrobatic Composition Using Form and Light (A Thinker and a Thought)2014[Zin Taylor]Zin TaylorC-print, marker on white frameZin Taylors formales Grundvokabular ist abstrakt und minimalistisch: Überwiegend in Schwarz und Weiß gehalten, sind seine Arbeiten oft mit Punkten und Streifen versehen. In der Linguistik spricht man von Signifikat und Signifikant, also vom Bezeichneten und vom Wort selbst, das etwas bezeichnet. Zwischen der Form des Ausdrucks und seiner Bedeutung besteht kein zwingendes Verhältnis, außer die Gewohnheit bzw. die gesellschaftliche Übereinkunft über einen Verweis. Und so verwendet Taylor seine Streifen und Punkte als eine Visualisierung von Sprache und ihrer Performanz und lässt ansonsten abstrakte Zeichen zu Symbolen für Kommunikation werden. — Diesmal geht es bei ihm um die Sprache von Produktion, der Form, die sich über unzählige Gedanken verselbstständigt und einen Dialog mit dem Künstler eingeht. Die Elemente, die Taylor im Studio im Rahmen einer Residency angefertigt hat, hat er schließlich in unterschiedlichen Kombinationen und Formationen arrangiert und fotografiert. Herausgekommen ist eine Geschichte über die Entstehung und Verwicklung von Gedankenströmen – eine Fotoserie über die Produktion von Dingen, wie sie gedacht werden können, nicht, wie sie scheinen. — [Severin Dünser, 04/2016]Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/61014/rdf/internal/media/dispatcher/128222/fullI bought a knife: confusing twirl2016[Anna-Sophie Berger]Anna-Sophie BergerC-print on foamcorePhotographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/91179/rdf/internal/media/dispatcher/162125/fullCyan Blue Dye for Ballgasse 62023[Constanze Schweiger]Constanze Schweiger Cyanotype, grassed cotton crêpe Constanze Schweiger primarily uses textiles and textile techniques in her process-oriented sculptural works, which explore the relationship between humans and nature, space and time. „Cyan Blue Dye for Ballgasse 6“ was created for an exhibition at her former gallery on Ballgasse in Vienna. For this piece, Schweiger used a large sheet of fabric that had been dyed yellow with turmeric and was part of another exhibition six years earlier. The yellow cloth became the material for a new work when the artist bleached it through biochemical processes—including photosynthesis— triggered by sunlight, river water, and grass, before immersing the textile in a solution containing iron salts. Using the historic cyanotype process, also known as the blueprint process, the chemicals reacted to light, causing the fabric to change color. The result is an object in which the history of the material and its successive uses remain inscribed.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/103415/rdf/internal/media/dispatcher/34016/fullYou are my Sunshine II1994[Birgit Jürgenssen]Birgit JürgenssenColor photocopyPhotographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/25281/rdf/internal/media/dispatcher/34017/fullYou are my Sunshine II1994[Birgit Jürgenssen]Birgit JürgenssenColor photocopy of a drawingPhotographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/25282/rdf/internal/media/dispatcher/37068/fullZone 01988[Felix Kalmar]Felix KalmarPhotographic magnification, airbrush Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/29579/rdf/internal/media/dispatcher/103700/fullFotografisches Konzept für ein Schubladenmuseum2005[Marc Adrian]Marc Adrian37 s/w Fotos, Vintage PrintsMarc Adrian beteiligte sich 1972 am Schubladenmuseum des Berner Künstlers Herbert Distel, heute im Kunsthaus Zürich. Ein ähnliches Konzept einer Sammlung von Miniaturobjekten und -aufnahmen diverser Künstler verfolgte er in einem Konvolut von s/w Fotos, darunter Aufnahmen des Schubladenmuseums von Distel sowie eigener Werke, sowie im Sinn eines Détournements veränderte Originale, wie das Buchcover: Robert Musil / Die Frau [Der Mann]ohne Eigenschaften; das Plattencover David Bowie / Modern Art [Love]; weiters auch Werke anderer Künstler wie das Martin Kippenberger Porträt von Clegg & Guttmann; die konzeptuelle Arbeit spielt subversiv mit der Idee des Musealen und der traditionellen Kunstkammer. [Cabuk 2017]Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/79584/rdf/internal/media/dispatcher/34128/fullH(e)ard(t) Shot1999[Fatima Bornemissza]Fatima BornemisszaMixed mediaPhotographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/26685/rdf/internal/media/dispatcher/34009/fullMy Servantundated[Fatima Bornemissza]Fatima BornemisszaMixed mediaPhotographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/26686/rdf/internal/media/dispatcher/34129/fullUntitled1999[Fatima Bornemissza]Fatima BornemisszaMixed mediaPhotographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/26689/rdf/internal/media/dispatcher/34420/fullAu Salon1996[Constanze Schweiger]Constanze SchweigerWallpaper on woodPrinthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/26714/rdf/internal/media/dispatcher/37069/fullSerie 31995–1996[Felix Kalmar]Felix KalmarPhotographic magnification, airbrushPhotographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/29580/rdf/internal/media/dispatcher/58001/fullBelvedere Heliograms2012[Lisa Oppenheim]Lisa Oppenheim Silver toned silver gelatin print, mounted to aluminumIn 2012, the American artist Lisa Oppenheim was invited to realize a project engaging with the Belvedere’s collection. For her “Belvedere Heliograms,” she isolated the depictions of the sun (“helios,” in Greek) in four historic works: Martino Altomonte’s “Apollo on the Solar Chariot” (1716), Anton Romako’s “Italian Fisherman’s Child” (ca. 1873), Egon Schiele’s “Four Trees” (1917), and Oskar Kokoschka’s “The Port in Prague” (1936). The technique Oppenheim used to make the series likewise gestures toward the power of the sun—she exposed the twenty-six photograms under daylight at different times of day, allowing the varying intensity of the sun’s rays to influence the final look of the resulting pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/36555/rdf/internal/media/dispatcher/58002/fullBelvedere Heliograms2012[Lisa Oppenheim]Lisa OppenheimSilver toned silver gelatin print, mounted to aluminumIn 2012, the American artist Lisa Oppenheim was invited to realize a project engaging with the Belvedere’s collection. For her “Belvedere Heliograms,” she isolated the depictions of the sun (“helios,” in Greek) in four historic works: Martino Altomonte’s “Apollo on the Solar Chariot” (1716), Anton Romako’s “Italian Fisherman’s Child” (ca. 1873), Egon Schiele’s “Four Trees” (1917), and Oskar Kokoschka’s “The Port in Prague” (1936). The technique Oppenheim used to make the series likewise gestures toward the power of the sun—she exposed the twenty-six photograms under daylight at different times of day, allowing the varying intensity of the sun’s rays to influence the final look of the resulting pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/36556/rdf/internal/media/dispatcher/58003/fullBelvedere Heliograms2012[Lisa Oppenheim]Lisa OppenheimSilver toned silver gelatin print, mounted to aluminumIn 2012, the American artist Lisa Oppenheim was invited to realize a project engaging with the Belvedere’s collection. For her “Belvedere Heliograms,” she isolated the depictions of the sun (“helios,” in Greek) in four historic works: Martino Altomonte’s “Apollo on the Solar Chariot” (1716), Anton Romako’s “Italian Fisherman’s Child” (ca. 1873), Egon Schiele’s “Four Trees” (1917), and Oskar Kokoschka’s “The Port in Prague” (1936). The technique Oppenheim used to make the series likewise gestures toward the power of the sun—she exposed the twenty-six photograms under daylight at different times of day, allowing the varying intensity of the sun’s rays to influence the final look of the resulting pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/36557/rdf/internal/media/dispatcher/58004/fullBelvedere Heliograms2012[Lisa Oppenheim]Lisa OppenheimSilver toned silver gelatin print, mounted to aluminumIn 2012, the American artist Lisa Oppenheim was invited to realize a project engaging with the Belvedere’s collection. For her “Belvedere Heliograms,” she isolated the depictions of the sun (“helios,” in Greek) in four historic works: Martino Altomonte’s “Apollo on the Solar Chariot” (1716), Anton Romako’s “Italian Fisherman’s Child” (ca. 1873), Egon Schiele’s “Four Trees” (1917), and Oskar Kokoschka’s “The Port in Prague” (1936). The technique Oppenheim used to make the series likewise gestures toward the power of the sun—she exposed the twenty-six photograms under daylight at different times of day, allowing the varying intensity of the sun’s rays to influence the final look of the resulting pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/36558/rdf/internal/media/dispatcher/58005/fullBelvedere Heliograms2012[Lisa Oppenheim]Lisa OppenheimSilver toned silver gelatin print, mounted to aluminumIn 2012, the American artist Lisa Oppenheim was invited to realize a project engaging with the Belvedere’s collection. For her “Belvedere Heliograms,” she isolated the depictions of the sun (“helios,” in Greek) in four historic works: Martino Altomonte’s “Apollo on the Solar Chariot” (1716), Anton Romako’s “Italian Fisherman’s Child” (ca. 1873), Egon Schiele’s “Four Trees” (1917), and Oskar Kokoschka’s “The Port in Prague” (1936). The technique Oppenheim used to make the series likewise gestures toward the power of the sun—she exposed the twenty-six photograms under daylight at different times of day, allowing the varying intensity of the sun’s rays to influence the final look of the resulting pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/36559/rdf/internal/media/dispatcher/58006/fullBelvedere Heliograms2012[Lisa Oppenheim]Lisa OppenheimSilver toned silver gelatin print, mounted to aluminumIn 2012, the American artist Lisa Oppenheim was invited to realize a project engaging with the Belvedere’s collection. For her “Belvedere Heliograms,” she isolated the depictions of the sun (“helios,” in Greek) in four historic works: Martino Altomonte’s “Apollo on the Solar Chariot” (1716), Anton Romako’s “Italian Fisherman’s Child” (ca. 1873), Egon Schiele’s “Four Trees” (1917), and Oskar Kokoschka’s “The Port in Prague” (1936). The technique Oppenheim used to make the series likewise gestures toward the power of the sun—she exposed the twenty-six photograms under daylight at different times of day, allowing the varying intensity of the sun’s rays to influence the final look of the resulting pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/36560/rdf/internal/media/dispatcher/58007/fullBelvedere Heliograms2012[Lisa Oppenheim]Lisa OppenheimSilver toned silver gelatin print, mounted to aluminumIn 2012, the American artist Lisa Oppenheim was invited to realize a project engaging with the Belvedere’s collection. For her “Belvedere Heliograms,” she isolated the depictions of the sun (“helios,” in Greek) in four historic works: Martino Altomonte’s “Apollo on the Solar Chariot” (1716), Anton Romako’s “Italian Fisherman’s Child” (ca. 1873), Egon Schiele’s “Four Trees” (1917), and Oskar Kokoschka’s “The Port in Prague” (1936). The technique Oppenheim used to make the series likewise gestures toward the power of the sun—she exposed the twenty-six photograms under daylight at different times of day, allowing the varying intensity of the sun’s rays to influence the final look of the resulting pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/36561/rdf/internal/media/dispatcher/58008/fullBelvedere Heliograms2012[Lisa Oppenheim]Lisa OppenheimSilver toned silver gelatin print, mounted to aluminumIn 2012, the American artist Lisa Oppenheim was invited to realize a project engaging with the Belvedere’s collection. For her “Belvedere Heliograms,” she isolated the depictions of the sun (“helios,” in Greek) in four historic works: Martino Altomonte’s “Apollo on the Solar Chariot” (1716), Anton Romako’s “Italian Fisherman’s Child” (ca. 1873), Egon Schiele’s “Four Trees” (1917), and Oskar Kokoschka’s “The Port in Prague” (1936). The technique Oppenheim used to make the series likewise gestures toward the power of the sun—she exposed the twenty-six photograms under daylight at different times of day, allowing the varying intensity of the sun’s rays to influence the final look of the resulting pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/36562/rdf/internal/media/dispatcher/58009/fullBelvedere Heliograms2012[Lisa Oppenheim]Lisa OppenheimSilver toned silver gelatin print, mounted to aluminumIn 2012, the American artist Lisa Oppenheim was invited to realize a project engaging with the Belvedere’s collection. For her “Belvedere Heliograms,” she isolated the depictions of the sun (“helios,” in Greek) in four historic works: Martino Altomonte’s “Apollo on the Solar Chariot” (1716), Anton Romako’s “Italian Fisherman’s Child” (ca. 1873), Egon Schiele’s “Four Trees” (1917), and Oskar Kokoschka’s “The Port in Prague” (1936). The technique Oppenheim used to make the series likewise gestures toward the power of the sun—she exposed the twenty-six photograms under daylight at different times of day, allowing the varying intensity of the sun’s rays to influence the final look of the resulting pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/36563/rdf/internal/media/dispatcher/58010/fullBelvedere Heliograms2012[Lisa Oppenheim]Lisa OppenheimSilver toned silver gelatin print, mounted to aluminumIn 2012, the American artist Lisa Oppenheim was invited to realize a project engaging with the Belvedere’s collection. For her “Belvedere Heliograms,” she isolated the depictions of the sun (“helios,” in Greek) in four historic works: Martino Altomonte’s “Apollo on the Solar Chariot” (1716), Anton Romako’s “Italian Fisherman’s Child” (ca. 1873), Egon Schiele’s “Four Trees” (1917), and Oskar Kokoschka’s “The Port in Prague” (1936). The technique Oppenheim used to make the series likewise gestures toward the power of the sun—she exposed the twenty-six photograms under daylight at different times of day, allowing the varying intensity of the sun’s rays to influence the final look of the resulting pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/36564/rdf/internal/media/dispatcher/58011/fullBelvedere Heliograms2012[Lisa Oppenheim]Lisa OppenheimSilver toned silver gelatin print, mounted to aluminumIn 2012, the American artist Lisa Oppenheim was invited to realize a project engaging with the Belvedere’s collection. For her “Belvedere Heliograms,” she isolated the depictions of the sun (“helios,” in Greek) in four historic works: Martino Altomonte’s “Apollo on the Solar Chariot” (1716), Anton Romako’s “Italian Fisherman’s Child” (ca. 1873), Egon Schiele’s “Four Trees” (1917), and Oskar Kokoschka’s “The Port in Prague” (1936). The technique Oppenheim used to make the series likewise gestures toward the power of the sun—she exposed the twenty-six photograms under daylight at different times of day, allowing the varying intensity of the sun’s rays to influence the final look of the resulting pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/36565/rdf/internal/media/dispatcher/58012/fullBelvedere Heliograms2012[Lisa Oppenheim]Lisa OppenheimSilver toned silver gelatin print, mounted to aluminumIn 2012, the American artist Lisa Oppenheim was invited to realize a project engaging with the Belvedere’s collection. For her “Belvedere Heliograms,” she isolated the depictions of the sun (“helios,” in Greek) in four historic works: Martino Altomonte’s “Apollo on the Solar Chariot” (1716), Anton Romako’s “Italian Fisherman’s Child” (ca. 1873), Egon Schiele’s “Four Trees” (1917), and Oskar Kokoschka’s “The Port in Prague” (1936). The technique Oppenheim used to make the series likewise gestures toward the power of the sun—she exposed the twenty-six photograms under daylight at different times of day, allowing the varying intensity of the sun’s rays to influence the final look of the resulting pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/36566/rdf/internal/media/dispatcher/58013/fullBelvedere Heliograms2012[Lisa Oppenheim]Lisa OppenheimSilver toned silver gelatin print, mounted to aluminumIn 2012, the American artist Lisa Oppenheim was invited to realize a project engaging with the Belvedere’s collection. For her “Belvedere Heliograms,” she isolated the depictions of the sun (“helios,” in Greek) in four historic works: Martino Altomonte’s “Apollo on the Solar Chariot” (1716), Anton Romako’s “Italian Fisherman’s Child” (ca. 1873), Egon Schiele’s “Four Trees” (1917), and Oskar Kokoschka’s “The Port in Prague” (1936). The technique Oppenheim used to make the series likewise gestures toward the power of the sun—she exposed the twenty-six photograms under daylight at different times of day, allowing the varying intensity of the sun’s rays to influence the final look of the resulting pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/36567/rdf/internal/media/dispatcher/58014/fullBelvedere Heliograms2012[Lisa Oppenheim]Lisa OppenheimSilver toned silver gelatin print, mounted to aluminumIn 2012, the American artist Lisa Oppenheim was invited to realize a project engaging with the Belvedere’s collection. For her “Belvedere Heliograms,” she isolated the depictions of the sun (“helios,” in Greek) in four historic works: Martino Altomonte’s “Apollo on the Solar Chariot” (1716), Anton Romako’s “Italian Fisherman’s Child” (ca. 1873), Egon Schiele’s “Four Trees” (1917), and Oskar Kokoschka’s “The Port in Prague” (1936). The technique Oppenheim used to make the series likewise gestures toward the power of the sun—she exposed the twenty-six photograms under daylight at different times of day, allowing the varying intensity of the sun’s rays to influence the final look of the resulting pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/36568/rdf/internal/media/dispatcher/58015/fullBelvedere Heliograms2012[Lisa Oppenheim]Lisa OppenheimSilver toned silver gelatin print, mounted to aluminumIn 2012, the American artist Lisa Oppenheim was invited to realize a project engaging with the Belvedere’s collection. For her “Belvedere Heliograms,” she isolated the depictions of the sun (“helios,” in Greek) in four historic works: Martino Altomonte’s “Apollo on the Solar Chariot” (1716), Anton Romako’s “Italian Fisherman’s Child” (ca. 1873), Egon Schiele’s “Four Trees” (1917), and Oskar Kokoschka’s “The Port in Prague” (1936). The technique Oppenheim used to make the series likewise gestures toward the power of the sun—she exposed the twenty-six photograms under daylight at different times of day, allowing the varying intensity of the sun’s rays to influence the final look of the resulting pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/36569/rdf/internal/media/dispatcher/58016/fullBelvedere Heliograms2012[Lisa Oppenheim]Lisa OppenheimSilver toned silver gelatin print, mounted to aluminumIn 2012, the American artist Lisa Oppenheim was invited to realize a project engaging with the Belvedere’s collection. For her “Belvedere Heliograms,” she isolated the depictions of the sun (“helios,” in Greek) in four historic works: Martino Altomonte’s “Apollo on the Solar Chariot” (1716), Anton Romako’s “Italian Fisherman’s Child” (ca. 1873), Egon Schiele’s “Four Trees” (1917), and Oskar Kokoschka’s “The Port in Prague” (1936). The technique Oppenheim used to make the series likewise gestures toward the power of the sun—she exposed the twenty-six photograms under daylight at different times of day, allowing the varying intensity of the sun’s rays to influence the final look of the resulting pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/36570/rdf/internal/media/dispatcher/58018/fullBelvedere Heliograms2012[Lisa Oppenheim]Lisa OppenheimSilver toned silver gelatin print, mounted to aluminumIn 2012, the American artist Lisa Oppenheim was invited to realize a project engaging with the Belvedere’s collection. For her “Belvedere Heliograms,” she isolated the depictions of the sun (“helios,” in Greek) in four historic works: Martino Altomonte’s “Apollo on the Solar Chariot” (1716), Anton Romako’s “Italian Fisherman’s Child” (ca. 1873), Egon Schiele’s “Four Trees” (1917), and Oskar Kokoschka’s “The Port in Prague” (1936). The technique Oppenheim used to make the series likewise gestures toward the power of the sun—she exposed the twenty-six photograms under daylight at different times of day, allowing the varying intensity of the sun’s rays to influence the final look of the resulting pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/36571/rdf/internal/media/dispatcher/58019/fullBelvedere Heliograms2012[Lisa Oppenheim]Lisa OppenheimSilver toned silver gelatin print, mounted to aluminumIn 2012, the American artist Lisa Oppenheim was invited to realize a project engaging with the Belvedere’s collection. For her “Belvedere Heliograms,” she isolated the depictions of the sun (“helios,” in Greek) in four historic works: Martino Altomonte’s “Apollo on the Solar Chariot” (1716), Anton Romako’s “Italian Fisherman’s Child” (ca. 1873), Egon Schiele’s “Four Trees” (1917), and Oskar Kokoschka’s “The Port in Prague” (1936). The technique Oppenheim used to make the series likewise gestures toward the power of the sun—she exposed the twenty-six photograms under daylight at different times of day, allowing the varying intensity of the sun’s rays to influence the final look of the resulting pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/36572/rdf/internal/media/dispatcher/58020/fullBelvedere Heliograms2012[Lisa Oppenheim]Lisa OppenheimSilver toned silver gelatin print, mounted to aluminumIn 2012, the American artist Lisa Oppenheim was invited to realize a project engaging with the Belvedere’s collection. For her “Belvedere Heliograms,” she isolated the depictions of the sun (“helios,” in Greek) in four historic works: Martino Altomonte’s “Apollo on the Solar Chariot” (1716), Anton Romako’s “Italian Fisherman’s Child” (ca. 1873), Egon Schiele’s “Four Trees” (1917), and Oskar Kokoschka’s “The Port in Prague” (1936). The technique Oppenheim used to make the series likewise gestures toward the power of the sun—she exposed the twenty-six photograms under daylight at different times of day, allowing the varying intensity of the sun’s rays to influence the final look of the resulting pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/36573/rdf/internal/media/dispatcher/58021/fullBelvedere Heliograms2012[Lisa Oppenheim]Lisa OppenheimSilver toned silver gelatin print, mounted to aluminumIn 2012, the American artist Lisa Oppenheim was invited to realize a project engaging with the Belvedere’s collection. For her “Belvedere Heliograms,” she isolated the depictions of the sun (“helios,” in Greek) in four historic works: Martino Altomonte’s “Apollo on the Solar Chariot” (1716), Anton Romako’s “Italian Fisherman’s Child” (ca. 1873), Egon Schiele’s “Four Trees” (1917), and Oskar Kokoschka’s “The Port in Prague” (1936). The technique Oppenheim used to make the series likewise gestures toward the power of the sun—she exposed the twenty-six photograms under daylight at different times of day, allowing the varying intensity of the sun’s rays to influence the final look of the resulting pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/36574/rdf/internal/media/dispatcher/58022/fullBelvedere Heliograms2012[Lisa Oppenheim]Lisa OppenheimSilver toned silver gelatin print, mounted to aluminumDie US-amerikanische Künstlerin Lisa Oppenheim wurde 2012 eingeladen, ein Projekt zur Sammlung des Belvedere zu realisieren. Für die „Belvedere Heliograms“ isolierte sie die Darstellungen der Sonne (gr. „helios“) aus vier historischen Werken: „Apollo auf dem Sonnenwagen“ (1716) von Martino Altomonte, „Italienisches Fischerkind“ (um 1873) von Anton Romako, „Vier Bäume“ (1917) von Egon Schiele und „Der Prager Hafen“ (1936) von Oskar Kokoschka. Auch in ihrer künstlerischen Umsetzung verweist die Serie auf die Kraft der Sonne – Oppenheim belichtete die 26 Fotogramme zu verschiedenen Zeiten im Tageslicht. Die wechselnde Intensität der Sonnenstrahlen konnte somit gestalterischen Einfluss auf die Bilder nehmen. Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/36575/rdf/internal/media/dispatcher/58023/fullBelvedere Heliograms2012[Lisa Oppenheim]Lisa OppenheimSilver toned silver gelatin print, mounted to aluminumIn 2012, the American artist Lisa Oppenheim was invited to realize a project engaging with the Belvedere’s collection. For her “Belvedere Heliograms,” she isolated the depictions of the sun (“helios,” in Greek) in four historic works: Martino Altomonte’s “Apollo on the Solar Chariot” (1716), Anton Romako’s “Italian Fisherman’s Child” (ca. 1873), Egon Schiele’s “Four Trees” (1917), and Oskar Kokoschka’s “The Port in Prague” (1936). The technique Oppenheim used to make the series likewise gestures toward the power of the sun—she exposed the twenty-six photograms under daylight at different times of day, allowing the varying intensity of the sun’s rays to influence the final look of the resulting pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/36576/rdf/internal/media/dispatcher/58024/fullBelvedere Heliograms2012[Lisa Oppenheim]Lisa OppenheimSilver toned silver gelatin print, mounted to aluminumIn 2012, the American artist Lisa Oppenheim was invited to realize a project engaging with the Belvedere’s collection. For her “Belvedere Heliograms,” she isolated the depictions of the sun (“helios,” in Greek) in four historic works: Martino Altomonte’s “Apollo on the Solar Chariot” (1716), Anton Romako’s “Italian Fisherman’s Child” (ca. 1873), Egon Schiele’s “Four Trees” (1917), and Oskar Kokoschka’s “The Port in Prague” (1936). The technique Oppenheim used to make the series likewise gestures toward the power of the sun—she exposed the twenty-six photograms under daylight at different times of day, allowing the varying intensity of the sun’s rays to influence the final look of the resulting pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/36577/rdf/internal/media/dispatcher/58025/fullBelvedere Heliograms2012[Lisa Oppenheim]Lisa OppenheimSilver toned silver gelatin print, mounted to aluminumIn 2012, the American artist Lisa Oppenheim was invited to realize a project engaging with the Belvedere’s collection. For her “Belvedere Heliograms,” she isolated the depictions of the sun (“helios,” in Greek) in four historic works: Martino Altomonte’s “Apollo on the Solar Chariot” (1716), Anton Romako’s “Italian Fisherman’s Child” (ca. 1873), Egon Schiele’s “Four Trees” (1917), and Oskar Kokoschka’s “The Port in Prague” (1936). The technique Oppenheim used to make the series likewise gestures toward the power of the sun—she exposed the twenty-six photograms under daylight at different times of day, allowing the varying intensity of the sun’s rays to influence the final look of the resulting pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/36578/rdf/internal/media/dispatcher/58026/fullBelvedere Heliograms2012[Lisa Oppenheim]Lisa OppenheimSilver toned silver gelatin print, mounted to aluminumIn 2012, the American artist Lisa Oppenheim was invited to realize a project engaging with the Belvedere’s collection. For her “Belvedere Heliograms,” she isolated the depictions of the sun (“helios,” in Greek) in four historic works: Martino Altomonte’s “Apollo on the Solar Chariot” (1716), Anton Romako’s “Italian Fisherman’s Child” (ca. 1873), Egon Schiele’s “Four Trees” (1917), and Oskar Kokoschka’s “The Port in Prague” (1936). The technique Oppenheim used to make the series likewise gestures toward the power of the sun—she exposed the twenty-six photograms under daylight at different times of day, allowing the varying intensity of the sun’s rays to influence the final look of the resulting pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/36579/rdf/internal/media/dispatcher/58028/fullBelvedere Heliograms2012[Lisa Oppenheim]Lisa OppenheimSilver toned silver gelatin print, mounted to aluminumIn 2012, the American artist Lisa Oppenheim was invited to realize a project engaging with the Belvedere’s collection. For her “Belvedere Heliograms,” she isolated the depictions of the sun (“helios,” in Greek) in four historic works: Martino Altomonte’s “Apollo on the Solar Chariot” (1716), Anton Romako’s “Italian Fisherman’s Child” (ca. 1873), Egon Schiele’s “Four Trees” (1917), and Oskar Kokoschka’s “The Port in Prague” (1936). The technique Oppenheim used to make the series likewise gestures toward the power of the sun—she exposed the twenty-six photograms under daylight at different times of day, allowing the varying intensity of the sun’s rays to influence the final look of the resulting pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/50182/rdf/internal/media/dispatcher/163013/fullWOLKEN (Zeit-Himmel-Anteil) / INNERE FREQUENZ 1892006/2013[Meina Schellander]Meina SchellanderFarbfotografie, Zeichnung auf geleimtem Papier, kaschiert auf Alu, AcrylglasabdeckungPhotographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/106130/rdf/internal/media/dispatcher/58001/fullBelvedere Heliograms2012[Lisa Oppenheim]Lisa Oppenheim Silver toned silver gelatin print, mounted to aluminumIn 2012, the American artist Lisa Oppenheim was invited to realize a project engaging with the Belvedere’s collection. For her “Belvedere Heliograms,” she isolated the depictions of the sun (“helios,” in Greek) in four historic works: Martino Altomonte’s “Apollo on the Solar Chariot” (1716), Anton Romako’s “Italian Fisherman’s Child” (ca. 1873), Egon Schiele’s “Four Trees” (1917), and Oskar Kokoschka’s “The Port in Prague” (1936). The technique Oppenheim used to make the series likewise gestures toward the power of the sun—she exposed the twenty-six photograms under daylight at different times of day, allowing the varying intensity of the sun’s rays to influence the final look of the resulting pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/107715/rdf/internal/media/dispatcher/6001/full[Place Of The Human (Layout For A Monument)]1974[VALIE EXPORT]VALIE EXPORTPlaster, lead, wood, steel nailsSculpturehttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/10397/rdf/internal/media/dispatcher/7113/full[Out of Austria (Flowers)]2000[Lisl Ponger]Lisl PongerWood, paintedObject arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/10579/rdf/internal/media/dispatcher/7127/full[Domestic Pinacotheca]2003[Florian Pumhösl]Florian PumhöslSteel tube, lacquered woodDie Idee einer Hauspinakothek, die Übertragung des Konzepts der öffentlich zugänglichen Gemäldegalerie in den privaten Rahmen also, formulierte László Moholy-Nagy in den 1920er-Jahren angesichts der neuen Möglichkeiten, durch reproduktive Verfahren Originale zu erhalten, die er aber vorschlug, nicht als "toten Zimmerschmuck" an die Wand zu hängen, sondern eben in einer Hauspinakothek aufzubewahren und nur bei Bedarf hervorzuholen. Dass Florian Pumhösl seiner Installation diesen Titel gibt, hat mehrfachen Verweischarakter: So kombiniert er zwei schwarze Fotogramme von gespannten weißen Bindfäden mit speziellen Längenverhältnissen mit zwei (Positiv/Negativ-)Fotografien des Kopfes von Henry Moores "Paleolithic Woman" (1956) und einem weißen abstrakten Bild zweier Kreise, in dem der Künstler, wie eine Korrespondenz mit dem Bauhaus-Archiv andeutet, Position und Größe zweier Köpfe in einer Fotocollage Moholy-Nagys reproduziert. Hier treffen Diskurse zum Verhältnis von Figuration und Abstraktion, Reproduktion und Original, Urbild und Abbild, Gedächtnis und Archiv in einem komplexen Referenzgefüge aufeinander, das signifikant Pumhösls Auseinandersetzung mit den Avantgarden der klassischen Moderne kennzeichnet. -- [Luisa Ziaja, in: Agnes Husslein-Arco, Severin Dünser, Luisa Ziaja (Hg.), Flirting with Strangers. Begegnungen mit Werken aus der Sammlung, Wien 2015, S. 107.]Object arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/10612/rdf/internal/media/dispatcher/92742/fullThe Sky that is the face that is2006[Misha Stroj]Misha StrojPlaster, wood, stool, cordObject arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/13482/rdf/internal/media/dispatcher/91046/fullMemoria2006[Brigitte Kowanz]Brigitte KowanzNeon tubes, cables, mirrorLicht – sowohl als Material mit seinen spezifischen physikalischen Eigenschaften als auch als thematischer Komplex – bildet eine zentrale Komponente in Brigitte Kowanz’ künstlerischer Arbeit. Künstliches Licht, häufig in Form von Neon, wird dabei zum tragenden Medium von Installationen, Objekten und Interventionen im öffentlichen Raum. Die Künstlerin formalisiert den flüchtigen, materiell schwer fassbaren Werkstoff Licht dabei häufig über das Medium der Sprache und führt so auch neue Begrifflichkeiten in ihre Arbeit ein. So werden in einer Werkserie von Glasboxen Begriffe und Texte in Neonschrift übertragen und durch Spiegel scheinbar unendlich wiederholt. Die Begriffe, die formal aus handschriftlichen Abfassungen der Künstlerin resultieren, erleben durch diese Form der Darstellung eine Belebung ihres semantischen Werts. So wird der Terminus „Memoria“ in der gleichnamigen Arbeit durch die vielfache Spiegelung in seiner Lesbarkeit beeinträchtigt. Die Erinnerung, als Nachbild vergangener individueller sowie kollektiver Erlebnisse und Erfahrungen, erscheint hier unter dem Aspekt der Instabilität. Die Unschärfe, das Verblassen von Erinnerung bis hin zur Auflösung finden in Memoria ihre visuelle Entsprechung. — [Véronique Abpurg, 5/2016]Object arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/15011/rdf/internal/media/dispatcher/22637/fullRelief (Plan without Outcome)2008[Florian Pumhösl]Florian PumhöslGlass cabinet, books, display covered with bookbinders' linenGlasvitrine, sechs Bücher mit Schubern gestaltet von Onchi KoshiroObject arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/16141/rdf/internal/media/dispatcher/28075/fullRomantic World2002[Bert Neumann]Bert NeumannMetal, neon tubes, cablesObject arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/18856/rdf/internal/media/dispatcher/40533/full[Untitled (Drunken Butterfly)]2011[Michael Gumhold]Michael GumholdMixed mediaIn Gumholds Arbeiten wird der Begriff der Skulptur – der am Anfang des 20. Jahrhunderts durch die Dadaisten, Surrealisten und Futuristen und die Verbindung mit Akustischem und Performativen gedehnt wurde – neu verhandelt. Formal lassen sich durch die Verwendung von Alltagsgegenständen und deren Konstellationen Anleihen an das Readymade und Minimal Art erkennen. Oftmals verwendet der Künstler Instrumente und Musikgeräte für seine Objekte, die Referenz für die interdisziplinäre Position der Skulptur sind. — Für "Ohne Titel (Drunken Butterfly)" stellte der Künstler mehrere Gegenstände zusammen, die in dieser Kombination ihre Funktion verlieren. Drunken Butterfly ist ein Songtitel der No-Wave Band Sonic Youth, die sich durch ihre Noise Musik gegen den New Wave abzugrenzen versuchte. Der Titel suggeriert eine sich populären Strömungen verweigernde Haltung, die sich auch beim Objekt auf Grund seiner Absage an eine Hochglanzästhetik erkennen lässt. — [Cathrin Mayer 8/2011] Object arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/22950/rdf/internal/media/dispatcher/88848/full[Untitled (Logarythm & Blues)]2011[Michael Gumhold]Michael GumholdOil and acrylic lacquer on wood, springsAls zentrale Referenz tritt in Michael Gumholds Arbeiten die Musik – im Speziellen die Rockmusik – auf, wobei besonders deren performativer, ereignishafter Charakter sowie ihr Potenzial als Lifestyle-Phänomen verhandelt werden. In raumgreifenden Installationen wie den Rehearsal Rooms, die sich aus Versatzstücken wie Mikrofonen, Verstärkerboxen, Schlaginstrumenten, Schallisolierungen und Tonträgern zusammensetzen, zitiert der Künstler Schauplätze und Wirkungsorte der Rockmusik, beispielweise Bühnen oder Proberäume. Die Musik ist jedoch nicht (mehr) auditiv erlebbar, was bleibt, ist eine auratisch aufgeladene Szenerie, die einen atmosphärischen Nachhall transportiert. Im Kontext der "Rehearsal Rooms" ist das Textobjekt "Ohne Titel (Logarythm & Blues)" entstanden, das, der Wildheit und der Unangepasstheit der Rockmusik nachempfunden, in betont rauer Materialästhetik gefertigt ist. Die Holzbuchstaben sind mittels Zugfedern, welche auf die Schwingungen des Schalls verweisen sollen, in den Rahmen gespannt. Mit der Nennung des Logarithmus, genau genommen mit der spielerischen Fusion der Worte „Logarithm“ und „Rhythm“, deutet Gumhold einen Exkurs in die Musiktheorie an, bestimmender Moment bleibt aber vielmehr ein unmittelbarer Effekt. — [Véronique Abpurg, 5/2016]Object arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/22951/rdf/internal/media/dispatcher/30214/fullGlassdrop #32011[Michael Part]Michael PartGlassIn seinen Fotoarbeiten bezieht sich Michael Part technisch wie auch formal auf die Anfänge des Mediums Fotografie. Der Künstler schafft auch Objekte, wie beispielsweise die Serie der Glasdrops aus dem Jahr 2011. Die Serie der Glasdrops und die Serie der Nachtlichter bilden gemeinsam einen Werkkomplex des Künstlers. Die Herstellung der Silbergelatin-Fotogramme führten den Künstler zu den aufgelassenen Silbermienen nach Rattenberg, wo er auch mit der dort ansässigen Glasproduktion in Berührung kam. Die Verwandtschaft der beiden Serien besteht darin, dass ihre Produktion nur während eines kleinen Zeitfensters möglich ist. Die optische Qualität der Fotoarbeiten und der Glasobjekte zeigen die Momenthaftigkeit ihrer Entstehung auf. — [Cathrin Mayer, 8/2011]Object arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/22958/rdf/internal/media/dispatcher/30218/fullGlassdrop #42011[Michael Part]Michael PartGlassIn seinen Fotoarbeiten bezieht sich Michael Part technisch wie auch formal auf die Anfänge des Mediums Fotografie. Der Künstler schafft auch Objekte, wie beispielsweise die Serie der Glasdrops aus dem Jahr 2011. Die Serie der Glasdrops und die Serie der Nachtlichter bilden gemeinsam einen Werkkomplex des Künstlers. Die Herstellung der Silbergelatin-Fotogramme führten den Künstler zu den aufgelassenen Silbermienen nach Rattenberg, wo er auch mit der dort ansässigen Glasproduktion in Berührung kam. Die Verwandtschaft der beiden Serien besteht darin, dass ihre Produktion nur während eines kleinen Zeitfensters möglich ist. Die optische Qualität der Fotoarbeiten und der Glasobjekte zeigen die Momenthaftigkeit ihrer Entstehung auf. — [Cathrin Mayer, 8/2011]Object arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/22959/rdf/internal/media/dispatcher/30220/fullGlassdrop #52011[Michael Part]Michael PartGlassIn seinen Fotoarbeiten bezieht sich Michael Part technisch wie auch formal auf die Anfänge des Mediums Fotografie. Der Künstler schafft auch Objekte, wie beispielsweise die Serie der Glasdrops aus dem Jahr 2011. Die Serie der Glasdrops und die Serie der Nachtlichter bilden gemeinsam einen Werkkomplex des Künstlers. Die Herstellung der Silbergelatin-Fotogramme führten den Künstler zu den aufgelassenen Silbermienen nach Rattenberg, wo er auch mit der dort ansässigen Glasproduktion in Berührung kam. Die Verwandtschaft der beiden Serien besteht darin, dass ihre Produktion nur während eines kleinen Zeitfensters möglich ist. Die optische Qualität der Fotoarbeiten und der Glasobjekte zeigen die Momenthaftigkeit ihrer Entstehung auf. — [Cathrin Mayer, 8/2011]Object arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/22961/rdf/internal/media/dispatcher/30223/fullGlassdrop #62011[Michael Part]Michael PartGlassIn seinen Fotoarbeiten bezieht sich Michael Part technisch wie auch formal auf die Anfänge des Mediums Fotografie. Der Künstler schafft auch Objekte, wie beispielsweise die Serie der Glasdrops aus dem Jahr 2011. Die Serie der Glasdrops und die Serie der Nachtlichter bilden gemeinsam einen Werkkomplex des Künstlers. Die Herstellung der Silbergelatin-Fotogramme führten den Künstler zu den aufgelassenen Silbermienen nach Rattenberg, wo er auch mit der dort ansässigen Glasproduktion in Berührung kam. Die Verwandtschaft der beiden Serien besteht darin, dass ihre Produktion nur während eines kleinen Zeitfensters möglich ist. Die optische Qualität der Fotoarbeiten und der Glasobjekte zeigen die Momenthaftigkeit ihrer Entstehung auf. — [Cathrin Mayer, 8/2011]Object arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/22962/rdf/internal/media/dispatcher/82976/fullUntitled1992[Matt Mullican]Matt Mullican2 leadlightsKlar, geordnet, strukturiert, doch zugleich rätselhaft scheinen die meist titellosen Skulpturen, Modelle und Installationen von Matt Mullican. Seit den 1980er-Jahren beschäftigt sich der Bildhauer und Konzeptkünstler mit Fragen von Wahrnehmung, Interpretation und Repräsentation der Wirklichkeit. Das von ihm entwickelte „Fünf-Welten-System“, eine komplexe Organisationsstruktur aus Farben, Formen und piktogrammähnlichen Zeichen zur Kategorisierung und Visualisierung sämtlicher Phänomene, Vorkommnisse und Tätigkeiten, ist somit eine Reaktion auf unsere stets subjektive Sicht der Dinge. Die Codierung innerhalb dieses Systems beruht jedoch wiederum auf individuell gewählten Zuschreibungen und ist nicht allgemein verständlich. Die Farbe Grün steht in Mullicans „Kosmologie“ für die reine Materie, Blau entspricht der vom Menschen geschaffenen Gegenstandswelt. Gelb repräsentiert die kreativen Kräfte und die Künste, Schwarz und Weiß beziehen sich auf Sprache, Zeichen und Begriffe. Die Farbe Rot ist der Welt der geistigen Kräfte zugeordnet. Mullicans rationale Arbeiten lassen sich als Variationen dieses eigenständigen Weltmodells lesen und finden ihren Ausdruck in einer Vielzahl von Medien und Materialien. Das hier gezeigte Objekt ist als Bleiglasfenster ausgeführt. — [aus: Kerstin Krenn, in: Agnes Husslein-Arco, Severin Dünser, Luisa Ziaja (Hg.), Flirting with Strangers. Begegnungen mit Werken aus der Sammlung, Wien 2015, S. 96.]Object arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/23750/rdf/internal/media/dispatcher/138998/fullWHATWHENWHEREWHYHOW2011[Brigitte Kowanz]Brigitte KowanzNeon tubes, power transformers, cables, mirrorsObject arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/34112/rdf/internal/media/dispatcher/69587/fullHanging Wrack Spörri2011[Michèle Pagel]Michèle PagelWood, hemp cordObject arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/51538/rdf/internal/media/dispatcher/73525/fulltag (Airace-Turbo Mountain/CO2)2014[Benjamin Hirte]Benjamin HirteCement bonded particle boardAls Bildhauer greift Benjamin Hirte gern auf Material zurück, das uns auch im Alltag begegnet. Er unterwirft es seiner eigenen Logik, während er mit dessen Funktionalität spielt. Und fügt der Sprache der Dinge und wie wir sie denken neue Verbindungs- und Kipppunkte hinzu, die durchaus Situationskomik haben können. Hirtes tags etwa orientieren sich in ihrer Form an den Schildchen, an denen Waren befestigt sind. Sie sind also Displays für Produkte, werden aber bei Hirte selbst ausgestellt – und das nicht nur in der Zeichenhaftigkeit ihrer Form, sondern auch in ihrer sprachlichen Mehrdeutigkeit als Markierung, Stichwort oder Graffiti-Signatur. Ähnlich doppelbödig ist das Haus auf „untitled“, dessen Aufschrift „Saloon“ Lucky Luke durchstreicht und mit „Jail“ ergänzt. Geht es hier um einen Umbruch, eine Wendung, ein Drehmoment oder um ein metaphorisches Gefangensein in der Reproduktion? Hirte stellt dieser Arbeit eine Leinwand mit Polkadots zur Seite. Der Druck durch ein Sieb mit seiner charakteristischen Rasterung wird hier überhöht und kann mit einem Augenzwinkern durchaus als Gitter wahrgenommen werden. — [Severin Dünser, 09/2015]Object arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/57744/rdf/internal/media/dispatcher/73526/fulltag (BBB, loud & clear)2014[Benjamin Hirte]Benjamin HirteCement bonded particle boardAls Bildhauer greift Benjamin Hirte gern auf Material zurück, das uns auch im Alltag begegnet. Er unterwirft es seiner eigenen Logik, während er mit dessen Funktionalität spielt. Und fügt der Sprache der Dinge und wie wir sie denken neue Verbindungs- und Kipppunkte hinzu, die durchaus Situationskomik haben können. Hirtes tags etwa orientieren sich in ihrer Form an den Schildchen, an denen Waren befestigt sind. Sie sind also Displays für Produkte, werden aber bei Hirte selbst ausgestellt – und das nicht nur in der Zeichenhaftigkeit ihrer Form, sondern auch in ihrer sprachlichen Mehrdeutigkeit als Markierung, Stichwort oder Graffiti-Signatur. Ähnlich doppelbödig ist das Haus auf „untitled“, dessen Aufschrift „Saloon“ Lucky Luke durchstreicht und mit „Jail“ ergänzt. Geht es hier um einen Umbruch, eine Wendung, ein Drehmoment oder um ein metaphorisches Gefangensein in der Reproduktion? Hirte stellt dieser Arbeit eine Leinwand mit Polkadots zur Seite. Der Druck durch ein Sieb mit seiner charakteristischen Rasterung wird hier überhöht und kann mit einem Augenzwinkern durchaus als Gitter wahrgenommen werden. — [Severin Dünser, 09/2015]Object arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/57745/rdf/internal/media/dispatcher/73527/fulltag (specialized – Air tool)2014[Benjamin Hirte]Benjamin HirteCement bonded particle boardAls Bildhauer greift Benjamin Hirte gern auf Material zurück, das uns auch im Alltag begegnet. Er unterwirft es seiner eigenen Logik, während er mit dessen Funktionalität spielt. Und fügt der Sprache der Dinge und wie wir sie denken neue Verbindungs- und Kipppunkte hinzu, die durchaus Situationskomik haben können. Hirtes tags etwa orientieren sich in ihrer Form an den Schildchen, an denen Waren befestigt sind. Sie sind also Displays für Produkte, werden aber bei Hirte selbst ausgestellt – und das nicht nur in der Zeichenhaftigkeit ihrer Form, sondern auch in ihrer sprachlichen Mehrdeutigkeit als Markierung, Stichwort oder Graffiti-Signatur. Ähnlich doppelbödig ist das Haus auf „untitled“, dessen Aufschrift „Saloon“ Lucky Luke durchstreicht und mit „Jail“ ergänzt. Geht es hier um einen Umbruch, eine Wendung, ein Drehmoment oder um ein metaphorisches Gefangensein in der Reproduktion? Hirte stellt dieser Arbeit eine Leinwand mit Polkadots zur Seite. Der Druck durch ein Sieb mit seiner charakteristischen Rasterung wird hier überhöht und kann mit einem Augenzwinkern durchaus als Gitter wahrgenommen werden. — [Severin Dünser, 09/2015]Object arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/57746/rdf/internal/media/dispatcher/92288/fullUntitled - Calculated Reserves2014[Nick Oberthaler]Nick OberthalerMagazine cut-outs, MDF, glass, metal trestlesAusgehend von der Zeichnung entwickelte Nick Oberthaler eine Bildsprache, die zwar zur Malerei tendiert, in ihrem Wesen aber der Grafik und ihrem Grundprinzip – dem Setzen von dunklen Linien und Flächen auf einen hellen Grund – treu bleibt. Immer mehr in Richtung der kontextuellen Malerei gehend, sind seine Bildträger nun auch Tische, Paravents und Spiegel. Sein Bildmaterial sind einerseits figurative Fotos aus Magazinen und dem Internet, andererseits geometrische Formen mit Verweisen auf die Moderne und ihre Kunstgeschichte. — [Severin Dünser, 09/2015]Object arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/58476/rdf/internal/media/dispatcher/88839/fullUntitled - Shade2014[Nick Oberthaler]Nick OberthalerPhotocopy, MDF, plexiglass mirror, metal trestlesAusgehend von der Zeichnung entwickelte Nick Oberthaler eine Bildsprache, die zwar zur Malerei tendiert, in ihrem Wesen aber der Grafik und ihrem Grundprinzip – dem Setzen von dunklen Linien und Flächen auf einen hellen Grund – treu bleibt. Immer mehr in Richtung der kontextuellen Malerei gehend, sind seine Bildträger nun auch Tische, Paravents und Spiegel. Sein Bildmaterial sind einerseits figurative Fotos aus Magazinen und dem Internet, andererseits geometrische Formen mit Verweisen auf die Moderne und ihre Kunstgeschichte. — [Severin Dünser, 09/2015]Object arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/58477/rdf/internal/media/dispatcher/74957/fullL'Architettura. Cronache e storia. No 56, 19602014[Claudia Larcher]Claudia LarcherPaper collage in wooden frameObject arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/58584/rdf/internal/media/dispatcher/83149/fullUntitled2014[Anita Leisz, Julia Haller]Julia Haller5 boards: bone glue, chalk, iron oxid pigment on linen, coated glass with engraving, oak wood frames; 2 objects: primed chipboard, screws, tin„Ohne Titel“ bezeichnet eine Installation aus Arbeiten von Julia Haller und Anita Leisz, die von den Künstlerinnen präzise vorgegeben ist und zur Reflexion über die Verbindung und Erweiterung der Genres Malerei, Zeichnung und Skulptur einlädt. Hallers fünf hochformatige Bilder verbinden malerische und grafische Elemente. Die Künstlerin verwendet traditionelle Materialien wie Knochenleim als Grundierung oder schwarzes Eisenoxidpigment, das lasierend aufgetragen wird, um nach den Grundbedingungen des Mediums zu fragen: Was ist Farbe? Was bedeutet Grundierung, kann darin schon eine künstlerische Geste enthalten sein? Ein grafisches Element gleich einer unvollendeten Signatur wird buchstäblich als weitere Ebene eingezogen. In der gemeinsamen Hängung verändern Hallers Bildobjekte auf subtile Weise ihre Größe, dehnen sich in Folge aus, um wieder kleiner zu werden. Die Breite des letzten Teils wird in die Länge von Anita Leisz’ erster Skulptur übersetzt. Leisz nimmt die malerische Referenz in diesem bankartigen Objekt auf, das aus Grundierspanplatten zusammengesetzt ist. Sie greift in ihren erweiterten Skulpturen nicht zuletzt auf Dinge zurück, die uns tagtäglich umgeben: Einrichtungsgegenstände wie Tisch oder Bank, vielleicht ein schnell auf den Haken geworfenes Handtuch. Als Skulptur an der Wand wird ein Zinnband schließlich zur Linie im Raum, die „Bank“ zum abstrakt-monochromen Gemälde. Die scheinbar improvisierte Geste trifft jedoch auf genau durchdachte Präzision, wenn es um die Definition einer bestimmten Form, eines Volumens und einer Masse geht. In dieser Balance und im Interesse für Material und Form als räumliche Referenzsysteme treffen sich Hallers und Leisz’ Arbeiten wiederum. — [Claudia Slanar, 09/2015]Object arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/58626/rdf/internal/media/dispatcher/74964/fullUntitled2014[Anita Leisz]Anita LeiszPrimed chipboard, screws, tinObject arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/58632/rdf/internal/media/dispatcher/74967/fullNot yet titled2014[Christoph Weber]Christoph WeberConcrete, steel, woodBeton härtet zwar rasch aus, trocknet aber länger nicht. Als Material unterliegt er also oft noch einem – wenn auch unsichtbaren – Veränderungsprozess. Normalerweise industriell gefertigt und als Baustoff verwendet, ist Beton Christoph Webers bevorzugter Werkstoff. Der Künstler interessiert sich genau für diesen prozesshaften Charakter des Materials: Im Fertigungsprozess wartet er auf den exakten Moment, um es in den materialuntypischen Zustand der Faltung oder Wicklung zu bringen. Manchmal rollt er Platten um sich selbst, dann wiederum präsentiert er sie als Serie an die Wand gelehnt, langsam einknickend wie die Skulptur gewordenen Elemente einer filmischen Bewegungsstudie. Bei "not yet titled" ist es wiederum eine Betonplatte, die sich über eine Stahlplanke gebogen hat und nun tiefe Risse zeigt. Die zeitlich unabgeschlossene "Unmöglichkeit" des Materials verschränkt sich in Webers Arbeiten mit dessen inhaltlicher Dimension. So steht die absurde Prekarität der Objekte im Widerspruch zur alltäglichen Verwendung von Beton. Risse und Spalten zeugen tatsächlich wie metaphorisch von Druck, vielleicht auch von Verdrängtem, das einen drohenden Bruch ankündigt. — [Claudia Slanar, in: Agnes Husslein-Arco, Severin Dünser, Luisa Ziaja (Hg.), Flirting with Strangers. Begegnungen mit Werken aus der Sammlung, Wien 2015, S. 125.]Object arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/58635/rdf/internal/media/dispatcher/75440/fullOne Body, Two Souls2001[Bruno Gironcoli]Bruno GironcoliAluminium castingSculpturehttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/59120/rdf/internal/media/dispatcher/104604/fullOhne Titel2014[Heimo Zobernig]Heimo ZobernigSlip-lid box, grooved, mill stitching, 1.8 mm raw cardboard (unique), 5 polystyrene inlaysPressspan, Holz, Jute, Karton und Styropor wurden zu Markenzeichen des diesjährigen Biennale-Teilnehmers für Österreich, Heimo Zobernig. Sein künstlerisches Betätigungsfeld ist groß: Skulptur, Bühnenbild, Malerei, Ausstellungen, Plakate, Kataloge, Bücher, Design und Performance. Zobernigs Arbeiten können allerdings nicht so ohne Weiteres in Kategorien unterteilt werden, vielmehr sind sie auf Bezugnahme hin orientiert, auf Austausch und Transfer zwischen den einzelnen Gattungen. Neben Karton-Skulpturen, die das minimalistische Ideal der Objektivität und des Materials subtil und subversiv unterlaufen, indem sie den billigen Werkstoff zu Schau stellen, erzeugt er mit seinen zwischen Kunst, Design und Architektur konzipierten Bühnen (documenta IX) oder Cafés (Münster, 1997) Arbeiten mit dienstleistungsähnlichem Charakter. Auch mit seiner Edition O.T., 2014 entwirft Zobernig eine Box, die genauso autonome Skulptur ist wie funktionaler Gegenstand und die Arbeiten der anderen Künstler archiviert. Die Box enthält fünf Styroporeinlagen, die sich einzeln herausnehmen lassen und sich auch als Display für die Editionen verwenden lassen. — [Stefan Tasch, 11/2014]Object arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/64723/rdf/internal/media/dispatcher/87388/fullThread Grid2015[Gilbert Bretterbauer]Gilbert BretterbauerStahl, BaumwollfadenTextile Materialien bilden eine Konstante im künstlerischen Werk Gilbert Bretterbauers, das sich transdisziplinär an der Schnittstelle von bildender und angewandter Kunst sowie Design positioniert. Objekte wie Teppiche, Sitzmöbel und Vorhänge stehen dabei im Spannungsverhältnis von Autonomie und Funktion, Unikat und serieller Produktion, Kunst und Dekor und wirken der Polarisierung von sogenannter freier Kunst und Kunsthandwerk entgegen. Die Auseinandersetzung mit der Form sowie mit der Relation von Linie, Fläche und Raum lässt sich bei Bretterbauer ausgehend von der Malerei denken, seine textilen Objekte werden zu Trägern von in den Raum getragenen Bildern – so bezeichnet er sie selbst als „Erweiterung der Malerei“. Das mit blautönigem Garn umwickelte industriell gefertigte Gitter der Arbeit Thread Grid fungiert wiederum als Zitat auf diese Bildhaftigkeit und die malerische Komponente und verweist in konzeptuell-abstrahierter Weise auf die Parameter Materialität, Farbe und Form. Die Arbeit greift mit dem Sujet des Rasters ein zentrales Motiv der Moderne auf, das sich bei Bretterbauer als immer wiederkehrendes Element findet. — [Véronique Abpurg, 5/2016]Object arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/64819/rdf/internal/media/dispatcher/86026/fullHypertransforme Skulptur / Schwebelage 12007[Rudolf Polanszky]Rudolf PolanszkyAcrylglas, Kunststoff, Eisen, Glasfaser, Harz auf EisengestellObject arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/64919/rdf/internal/media/dispatcher/86054/fullHypertransforme Skulptur / Tiefe Hängung2005[Rudolf Polanszky]Rudolf PolanszkyKunststoff, Acrylglas, Glasfaser, Harz, Eisen auf EisengestellObject arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/64920/rdf/internal/media/dispatcher/86057/fullKonfusionsskulptur / Deformationsverdrahtung2014[Rudolf Polanszky]Rudolf PolanszkyEisen, Aluminium, Eisendraht, Spiegelfolie, Kunststoff, Glasfaser, Schaumstoff, Acrylglas auf EisengestellObject arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/64922/rdf/internal/media/dispatcher/92778/fullGefangen in der Gegenwart2015[Manfred Erjautz]Manfred ErjautzPorzellan, TransferdruckObject arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/70260/rdf/internal/media/dispatcher/97845/fullParis (cybertrips) 22014[Andy Boot]Andy BootConcrete, UV-print on metal mesh, metalObject arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/70385/rdf/internal/media/dispatcher/105102/fullOhne Titel2016[Christoph Meier, Salvatore Viviano]Christoph MeierAluminiumObject arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/74013/rdf/internal/media/dispatcher/116089/fullObjekt zum Gebrauch1973/1975[Linda Christanell]Linda ChristanellLeinen, Rosshaar, Schnüre, Metallringe, in handbestempelter Holzkiste mit handgeschriebener GebrauchsanleitungObject arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/82887/rdf/internal/media/dispatcher/74930/fullPlaceholder2012[Sonia Leimer]Sonia LeimerSteel chain, concrete, steel, tarmacIn ihrer konzeptuellen künstlerischen Praxis setzt sich Sonia Leimer mit dem konkreten physischen Raum und der Zeit als Kategorien der Wirklichkeitskonstruktion im Verhältnis zu Prozessen kreativer Arbeit und Produktion auseinander. Dabei spielen Strategien der Reinszenierung und Fiktionalisierung von Ereignissen und Orten vor dem Hintergrund eines kollektiven, oft populärkulturellen Bilderkanons ebenso eine Rolle wie das Ausreizen und manchmal auch Infragestellen von Wahrnehmungskonventionen des medial geschulten Blicks. In der skulpturalen Werkserie der "Platzhalter" transformiert Leimer Asphaltfragmente, die sie auf Baustellen im öffentlichen Raum findet, in Objekte, in denen der Alltag durch funktionale Referenzen kenntlich ist, diesem aber entzogen bleibt. Wie der Titel andeutet, haben Leimers Skulpturen eine temporäre Dimension, besetzen sie doch Plätze, an denen etwas anderes zu erwarten ist. Möglicherweise inspirieren sie uns aber in der Zwischenzeit zu Handlungen, die in der architektonischen Normierung unserer Räume nicht vorgesehen sind. — [aus: Luisa Ziaja, in: Agnes Husslein-Arco, Severin Dünser, Luisa Ziaja (Hrsg.), Flirting with Strangers. Begegnungen mit Werken aus der Sammlung, Wien 2015, S. 86]Object arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/50481/rdf/internal/media/dispatcher/73713/fulle 14/1 sculptor2014[Hans Kupelwieser]Hans KupelwieserStainless steel, polishedObjects and sculptures generally intrigue observers with their multitude of views. In Hans Kupelwieser’s work, this effect is further enhanced by its irregular shape and reflective surface. Reflection has a dual meaning here, as not only the visual phenomenon, as such, is in the foreground but also its content-related component. When metals are employed in Hans Kupelwieser’s oeuvre, their qualities are thwarted, as it were, by the artistic processing. Nonetheless, what is reminiscent of crumpled paper on an enlarged scale, weighs 270 kilograms. The crushing is carried out by means of an excavator. Of course, with this process an exact prognosis of the result is impossible, but for the artist it is precisely this principle of guided chance that has become an important category in his creation.Object arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/50691/rdf/internal/media/dispatcher/105781/fullbrille auf. jeder schaut.2016[Stefan Reiterer]Stefan ReitererÖl auf Stoff, Holz, Öl und Collage auf MDF-PlatteObject arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/70335/rdf/internal/media/dispatcher/6925/fullKleine Revolution II1969–1970[Elsa Olivia Urbach]Elsa Olivia UrbachBronze, tinJohannesschüsselSculpturehttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/4959/rdf/internal/media/dispatcher/129123/fullTaktile Poesie1966[Josef Bauer]Josef BauerPolyurethan, PlastikUnikateObject arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/87802/rdf/internal/media/dispatcher/128951/fullOhne Titelundated[Irene Hohenbüchler]Irene HohenbüchlerHolz, Metall, Silikon, 2 BücherObject arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/88049/rdf/internal/media/dispatcher/143481/full[Everyday Life]1986[Kiki Kogelnik]Kiki KogelnikEnameled ceramic, wooden pedestal, metal rackSculpturehttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/9473/rdf/internal/media/dispatcher/27683/full[Room Section "City Side"]1997[Lois Renner]Lois RennerLime wood, brass, oil paintObject arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/10035/rdf/internal/media/dispatcher/5997/full[Space Filling]1978[Roland Goeschl]Roland GoeschlWood, painted, pencil on paperSculpturehttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/10041/rdf/internal/media/dispatcher/24404/fullUntitled2002[Marcus Geiger]Marcus GeigerCardboard on terryclothObject arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/10467/rdf/internal/media/dispatcher/24470/fullUntitled2002[Marcus Geiger]Marcus GeigerTerrycloth on cardboardObject arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/10468/rdf/internal/media/dispatcher/24471/fullUntitled2002[Marcus Geiger]Marcus GeigerTerrycloth on cardboardObject arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/10469/rdf/internal/media/dispatcher/7127/full[Domestic Pinacotheca]2003[Florian Pumhösl]Florian PumhöslSteel tube, lacquered woodDie Idee einer Hauspinakothek, die Übertragung des Konzepts der öffentlich zugänglichen Gemäldegalerie in den privaten Rahmen also, formulierte László Moholy-Nagy in den 1920er-Jahren angesichts der neuen Möglichkeiten, durch reproduktive Verfahren Originale zu erhalten, die er aber vorschlug, nicht als "toten Zimmerschmuck" an die Wand zu hängen, sondern eben in einer Hauspinakothek aufzubewahren und nur bei Bedarf hervorzuholen. Dass Florian Pumhösl seiner Installation diesen Titel gibt, hat mehrfachen Verweischarakter: So kombiniert er zwei schwarze Fotogramme von gespannten weißen Bindfäden mit speziellen Längenverhältnissen mit zwei (Positiv/Negativ-)Fotografien des Kopfes von Henry Moores "Paleolithic Woman" (1956) und einem weißen abstrakten Bild zweier Kreise, in dem der Künstler, wie eine Korrespondenz mit dem Bauhaus-Archiv andeutet, Position und Größe zweier Köpfe in einer Fotocollage Moholy-Nagys reproduziert. Hier treffen Diskurse zum Verhältnis von Figuration und Abstraktion, Reproduktion und Original, Urbild und Abbild, Gedächtnis und Archiv in einem komplexen Referenzgefüge aufeinander, das signifikant Pumhösls Auseinandersetzung mit den Avantgarden der klassischen Moderne kennzeichnet. -- [Luisa Ziaja, in: Agnes Husslein-Arco, Severin Dünser, Luisa Ziaja (Hg.), Flirting with Strangers. Begegnungen mit Werken aus der Sammlung, Wien 2015, S. 107.]Object arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/10611/rdf/internal/media/dispatcher/19881/full[White Ribbon]2004[Roland Kollnitz]Roland KollnitzFiberglass, adhesive tape, nailObject arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/12370/rdf/internal/media/dispatcher/21996/full[Wall-Piece]2001[Roland Kollnitz]Roland KollnitzWooden frame, plexiglass, museum cardboard, 2 eyeletsObject arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/12371/rdf/internal/media/dispatcher/22632/full[Balls]2007[Gudrun Kampl]Gudrun KamplFabric, stability ballObject arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/13371/rdf/internal/media/dispatcher/21899/full[Ulysses In The Library Of The Unread Books]2007[Julius Deutschbauer]Julius DeutschbauerPhotograph, CD with 11 interviewsObject arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/14063/rdf/internal/media/dispatcher/21904/full[Untitled (GR 1044)]2002[Gerwald Rockenschaub]Gerwald RockenschaubTransparent foil, air, blowerObject arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/14153/rdf/internal/media/dispatcher/28353/fullUntitled2008[Fabian Seiz]Fabian SeizWood, plasticObject arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/14205/rdf/internal/media/dispatcher/24288/fullFlyer2000[Michael Kienzer]Michael KienzerFolded handmade paper in cardboardObject arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/16870/rdf/internal/media/dispatcher/30194/full[Alpine Landscape]2010[Roman Pfeffer]Roman PfefferMDF panel, pigments, lacquer, levelObject arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/19336/rdf/internal/media/dispatcher/87936/fullBooktable II1990[Richard Artschwager]Richard ArtschwagerWood, veneeredDer spätere Bildhauer, Maler, Objektkünstler und Grafiker hatte zunächst nicht unbedingt beabsichtigt, Künstler zu werden – Richard Artschwager studierte von 1941 bis 1943 Biologie, Chemie und Mathematik. Nach einem Studium der Malerei begann er, Möbel zu bauen, und Anfang der 1950er-Jahre eröffnete er eine schnell expandierende Tischlerei. Zu Beginn der 1960er-Jahre entstanden die ersten Möbelobjekte für den Kunstbetrieb sowie Gemälde nach gefundenen Fotografien, 1964 stellte ihn die berühmte Leo Castelli Gallery in einer Gruppenausstellung in New York vor. Das Werk von Artschwager changiert inhaltlich und formal bewusst zwischen Concept Art, Minimal Art und Pop Art; es entwickelte sich in einer Zeit, in der triviale Alltagsgegenstände von der Kunst aufgegriffen wurden. Die perfekt gearbeiteten eigentümlichen Möbelobjekte – häufig aus Holz oder Resopal – verwirren und bleiben immer etwas rätselhaft. Handelt es sich dabei um (Ab-)Bilder, autonome Skulpturen oder alltägliche Gebrauchsgegenstände wie etwa einen Tisch? Geschickt hinterfragt der „philosophierende Schreiner“ mit seinen Objekten im Kunstkontext die Wahrnehmung der Dingwelt unserer Konsumgesellschaft. Was ist ein Tisch? Wie sieht er aus? Und wann ist der Tisch als Skulptur ein Kunstwerk? — [Axel Köhne, 5/2016]Object arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/23709/rdf/internal/media/dispatcher/88349/fullBook1987[Richard Artschwager]Richard ArtschwagerVeneered woodObject arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/23711/rdf/internal/media/dispatcher/83383/fullYes-No-Ball1968[Richard Artschwager]Richard ArtschwagerLacquered plasticRichard Artschwagers Werk entzieht sich den gängigen Kategorisierungen. Die Verwendung von alltäglichen Gegenständen und billigen Materialien wie Resopal oder Hartfaserplatten rückt es in die Nähe der Pop-Art, während die einfachen Formen seiner Objekte und ihr teilweise modellhafter Charakter an Minimalismus und Konzeptkunst denken lassen. Der „Yes/No-Ball“ etwa ist, was er ist: ein schwarzer Ball, eigentlich eine Bowlingkugel, mit der Aufschrift „Yes“ und „No“, der als magische Hilfe bei Entscheidungen fungieren kann. Doch anders als die Münze, die meist zu diesem Zweck geworfen wird, lässt der Ball aufgrund seiner Form keine Eindeutigkeiten zu. „Ja“ und „Nein“ bleiben in der Schwebe. Die Logik der einfachen Bejahung oder Verneinung einer Frage oder einer Aussage wird damit ad absurdum geführt. Der Ball verlangsamt unweigerlich den Prozess der Entscheidungsfindung und fordert Reflexion ein, die sich letztendlich auf humorvolle Weise Rationalisierung und Effizienz entgegenstellt. — [Claudia Slanar, 09/2015]Object arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/23712/rdf