227/internal/media/dispatcher/157839/fullEgalité & Egalité2021[Philipp Timischl]Philipp TimischlSilkscreen on canvas next to 3 LED Panels, video (color, mute), mediaplayerFilm/video arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/94092/rdf/internal/media/dispatcher/165329/fullNeoliberal Surrealist2019[Ashley Hans Scheirl]Ashley Hans ScheirlAcrylic on canvasPaintinghttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/89456/rdf/internal/media/dispatcher/129050/fullJoan2019[Jakob Lena Knebl]Jakob Lena KneblLeather, powder coated steel, ceramicObject arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/92177/rdf/internal/media/dispatcher/129764/fullEOS2019[Elke Silvia Krystufek]Elke Silvia KrystufekAcrylic and ink on canvasPaintinghttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/92430/rdf/internal/media/dispatcher/129763/fullTurner2019[Elke Silvia Krystufek]Elke Silvia KrystufekOil and acrylic on boardPaintinghttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/92431/rdf/internal/media/dispatcher/131076/fullOtherlies (London, NY, Abu Dhabi, Tokyo, a. s. o.)2019[Elke Silvia Krystufek]Elke Silvia KrystufekChair, fabric, button pins, safety pinsObject arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/92432/rdf/internal/media/dispatcher/129758/fullBlurry2019[Elke Silvia Krystufek]Elke Silvia KrystufekAcrylic and ink on canvasPaintinghttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/92433/rdf/internal/media/dispatcher/135390/fullJohn Boy2019[Jakob Lena Knebl]Jakob Lena KneblLeather, powder coated steel, strapsObject arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/93263/rdf/internal/media/dispatcher/146090/fullAlfred T. Palmer: Conversion. Automobile industry. Preparing a huge automobile production machine for temporary storage, maintenance man cleans up the machine prior to conversion to war production. The Plymouth Company, Chrysler Corporation, Detroit, Michigan2019[Francis Ruyter]Francis RuyterAcrylic on canvasPaintinghttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/93650/rdf/internal/media/dispatcher/123752/fullUnd der Himmel klärt sich auf (MAGIC RESISTANCE)2018[Borjana Ventzislavova]Borjana VentzislavovaHD, Farbe, StereoFilm/video arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/85378/rdf/internal/media/dispatcher/129330/fullPortrait2018[Anna-Sophie Berger]Anna-Sophie BergerLambda printPhotographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/90181/rdf/internal/media/dispatcher/146091/fullO2018[Sonia Leimer]Sonia LeimerSiebdruck auf Zigarettenpapier, 4teilig Printhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/94008/rdf/internal/media/dispatcher/111924/fullA Door Is Just A Metaphor – Space2017[Anne Speier]Anne SpeierOil on canvasMit großer Lust an der Kombination von Motiven und Medien, Techniken, Genres, Inhalten und Kontexten thematisiert Anne Speier die Immer-schon-Vermitteltheit der Gegenwart. Nichts ist Zeugnis, alles ist Zitat: Dieses ist nicht Selbstzweck, sondern vielmehr der Versuch, sich in einem assoziationsreichen Spiel dem Begriff des Zeitgenössischen anzunähern. Dabei geht es Anne Speier um das Hier und Jetzt nicht nur in der Kunst, sondern auch in der Welt an sich, um die gesellschaftliche Verfasstheit und die Subjektivierungsformen, die sie hervorbringt. Die geöffnete oder geschlossene Tür als Symbol für Hierarchien und Machtverhältnisse ist Ausgangspunkt der Werkserie "A Door Is Just A Metaphor". Das vasenähnliche Gefäß wird hier zum quasi beliebig befüllbaren Bedeutungsträger etwa für die spekulativen Ökonomien in der zeitgenössischen Kunst oder auch der Möglichkeiten des Malerischen an sich. In ihrer Verdichtung machen diese Arbeiten die Sinnentleerung der Kunstblase greifbar und weisen Anne Speier als aufmerksame, ironisch-(selbst-)kritische Beobachterin ihres eigenen Kontexts aus. — [Luisa Ziaja, 2017]Paintinghttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/80958/rdf/internal/media/dispatcher/113362/fullHow I met your Mom2017[Nilbar Güres]Nilbar GüresWood, fabric, spray paint, metal construction, thread, flowerpot, stonesObject arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/81912/rdf/internal/media/dispatcher/124748/fullSchüttloch (8)2017[Angelika Loderer]Angelika LodererPatinated aluminumAngelika Loderer findet die Form ihrer skulpturalen Arbeiten oft in der Natur, in ihrer unmittelbaren Umgebung oder leitet sie von den verwendeten Materialien selbst ab. So fließen Eigenschaften und Verarbeitungsmodi ihrer Werkstoffe als grundlegende Parameter in den Gestaltungsprozess ein. Vor diesem Hintergrund bezeichnet Loderer ihre künstlerische Praxis als medienreflexiv. Sie spielt mit der Spannung zwischen Zufall und Intention, negativem und positivem Raum ebenso wie mit Dualitäten wie Beständigkeit und Fragilität, Dauerhaftigkeit und Vergänglichkeit. — Für ihre Werkserie Schüttlöcher gießt sie verlassene Maulwurfsgänge aus und überträgt das entstandene Gipsmodell in einen Aluminiumguss. Das resultierende, ursprünglich Unsichtbares sichtbar machende Positiv eines unter der Erde liegenden Hohlraums reckt sich – quasi auf den Kopf gestellt – mit Verzweigungen oder als geschlossene Schleife in die Höhe. Angelika Loderer setzt also das klassische bildhauerische Verfahren ein, um Naturphänomene in biomorphen Skulpturen manifest werden zu lassen. — [Luisa Ziaja, 3/2019] Sculpturehttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/86290/rdf/internal/media/dispatcher/124797/fullRituals of Resistance #42017[Kay Walkowiak]Kay WalkowiakArchival pigment print on textilePhotographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/87554/rdf/internal/media/dispatcher/124759/fullGolem2017[Künstlergruppe gelatin]Künstlergruppe gelatinTon, HolzsockelSculpturehttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/88110/rdf/internal/media/dispatcher/88850/fullUntitled - cut2015[Inés Lombardi]Inés LombardiInkjet pigment print and pantone color print on book linenInés Lombardi’s artistic investigations have long been focused on Brazilian Modernismo. The work “Untitled—cut” turns the spotlight on the architect Rino Levi’s Residência Olivo Gomes (1951). The color scheme for the exterior façade was designed by the painter Francisco Rebolo. In an effort to document the changes in the colors over time, the layers were stripped off in a kind of archaeological excavation and matched to a Pantone color system. Lombardi then selected fifty-four from these hues and laminated thirty-nine squares onto a historic photograph of the villa. Partly obscuring the view of the building, the squares also frame a distinctive and specific perspective on its history.Printhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/65876/rdf/internal/media/dispatcher/146078/fullNumber Two (after Solomon Asch)2015[Anna Jermolaewa]Anna JermolaewaNeon signs, transformer, electric cablesConceptual arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/70122/rdf/internal/media/dispatcher/97850/fullUntitled (1516)2015[Vicken Parsons]Vicken ParsonsOil on woodPaintinghttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/74719/rdf/internal/media/dispatcher/97851/fullUntitled (1523)2015[Vicken Parsons]Vicken ParsonsOil on woodPaintinghttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/74721/rdf/internal/media/dispatcher/123205/fullSoft Rope2015[Barbara Kapusta]Barbara Kapusta16mm Film übertragen auf High-Definition Video, schwarz-weiß, ohne Ton, KlebebuchstabenIn ihren Videos und Objekten aus Keramik, Plexiglas, Vinyl oder Acryl untersucht Barbara Kapusta das Verhältnis von Körper, Material und Sprache. Das Video „Soft Rope“ folgt einer menschlichen Hand, die ein schwarzes Seil erkundet. Die achtsamen, präzisen Bewegungen werden immer wieder von harten filmischen Schnitten unterbrochen. Das langsame Abtasten des Gegenstands und die sinnliche Kommunikation zwischen Person und Ding vermitteln eine fast körperlich spürbare Reibung. Kapusta dokumentiert diesen Vorgang des Begreifens, des Sehens mit der Hand in einem grobkörnigen Schwarzweißfilm. Die daraus resultierenden Erfahrungen hat die Künstlerin in einem Gedicht umschrieben.Film/video arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/87937/rdf/internal/media/dispatcher/128216/fullUNITED (see you Maria) Raw Sienna extruded2014–2018[Nicolas Jasmin]Nicolas JasminLaser removed mixed media on HessianNicolas Jasmin’s creative approach can be interpreted as an archaeology of the picture. The artist has developed a distinctive process combining painting with laser technology: a focused ray of light cuts into layers of paint applied to coarse sackcloth, exposing them down to the primer. For his motifs, Jasmin looks both to art history and to pop and everyday culture. In this painting, he took inspiration from Maria Lassnig’s work “Two Forms Superimposed / Black Surface Distribution” (1952). As though to comment on his gesture of appropriation, Jasmin sends his colleague a greeting in the title that also lets us read the composition as the letters CU, widely used as an abbreviation for “see you.”Paintinghttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/85789/rdf/internal/media/dispatcher/108913/fullkontaktgrill2013[Toni Schmale]Toni SchmaleFeuerverzinkter Stahl, pulverbeschichteter Stahl (Farbe RAL 3007), BetonDie Skulpturen von Toni Schmale atmen eine libidinös-fetischistische Aufladung – sie hat ihre Arbeiten einmal als „maschinen, die begehren in sich haben“, beschrieben. Bevorzugte Werkstoffe der Künstlerin sind Metall und Beton, die sie mit äußerster Präzision zu Objekten verarbeitet, die sich als Abstraktionen von Alltagsgegenständen, Sportgeräten oder auch Fetischobjekten deuten lassen und deren suggestive Titel sexuelle Konnotationen, ein imaginäres Spiel zwischen Begehren und Disziplinierung, Macht und Unterwerfung in Gang setzen. Dabei geht es immer auch um eine lustvolle Destabilisierung gelernter sozialer wie ästhetischer Kategorien. — „kontaktgrill“ aus dem Jahr 2013 entstammt einer ursprünglich dreiteiligen Konstellation von Arbeiten mit dem Titel „fuhrpark. was das / der neue gefährt sein kann“, die inzwischen um einige Skulpturen erweitert wurde. Das gerüstartige Objekt ist aus Rohren mit einem Durchmesser von 60 mm konstruiert, einer Konstante in allen Werken Schmales, und erfährt durch eine massive Betonplatte eine gewisse Schwere und Präsenz. Anders als die eindeutige Funktionalität eines der körperlichen Ertüchtigung dienenden Sportgeräts, das meist eine klare Handlungsanweisung gibt, hält „kontaktgrill“ ein tatsächliches Benutzen, die Interaktion mit einem Körper in einer Schwebe der Potenzialität, die niemals konkret wird. Schmale versteht ihre Skulpturen im Sinne des englischen Kinderarztes und Psychoanalytikers Donald Woods Winnicott als Übergangsobjekte, als „verbindung der inneren und äußeren realität, not me“, wie sie schreibt. Hier eröffnet sich also ein Spannungsfeld zwischen Welt und Selbst, zwischen Physis und Psyche, das zugleich das Ineinsfallen mit der Repräsentation des eigenen Ich zurückweist. — [Luisa Ziaja, 2017]Sculpturehttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/80955/rdf/internal/media/dispatcher/111962/fullHe felt castrated when he met that lesbian woman2013[Nilbar Güres]Nilbar GüresMixed media on red fabricPaintinghttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/81911/rdf/internal/media/dispatcher/41769/fullSovereignty2012[Linda Bilda]Linda BildaPrint, india ink on paperDrawing arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/31017/rdf/internal/media/dispatcher/158276/fullEclipse2012[Agnieszka Polska]Agnieszka PolskaVideo animation, colorFilm/video arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/34618/rdf/internal/media/dispatcher/58001/fullBelvedere Heliograms2012[Lisa Oppenheim]Lisa Oppenheim Silver toned silver gelatin print, mounted to aluminumIn 2012, the American artist Lisa Oppenheim was invited to realize a project engaging with the Belvedere’s collection. For her “Belvedere Heliograms,” she isolated the depictions of the sun (“helios,” in Greek) in four historic works: Martino Altomonte’s “Apollo on the Solar Chariot” (1716), Anton Romako’s “Italian Fisherman’s Child” (ca. 1873), Egon Schiele’s “Four Trees” (1917), and Oskar Kokoschka’s “The Port in Prague” (1936). The technique Oppenheim used to make the series likewise gestures toward the power of the sun—she exposed the twenty-six photograms under daylight at different times of day, allowing the varying intensity of the sun’s rays to influence the final look of the resulting pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/36555/rdf/internal/media/dispatcher/58002/fullBelvedere Heliograms2012[Lisa Oppenheim]Lisa OppenheimSilver toned silver gelatin print, mounted to aluminumIn 2012, the American artist Lisa Oppenheim was invited to realize a project engaging with the Belvedere’s collection. For her “Belvedere Heliograms,” she isolated the depictions of the sun (“helios,” in Greek) in four historic works: Martino Altomonte’s “Apollo on the Solar Chariot” (1716), Anton Romako’s “Italian Fisherman’s Child” (ca. 1873), Egon Schiele’s “Four Trees” (1917), and Oskar Kokoschka’s “The Port in Prague” (1936). The technique Oppenheim used to make the series likewise gestures toward the power of the sun—she exposed the twenty-six photograms under daylight at different times of day, allowing the varying intensity of the sun’s rays to influence the final look of the resulting pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/36556/rdf/internal/media/dispatcher/58003/fullBelvedere Heliograms2012[Lisa Oppenheim]Lisa OppenheimSilver toned silver gelatin print, mounted to aluminumIn 2012, the American artist Lisa Oppenheim was invited to realize a project engaging with the Belvedere’s collection. For her “Belvedere Heliograms,” she isolated the depictions of the sun (“helios,” in Greek) in four historic works: Martino Altomonte’s “Apollo on the Solar Chariot” (1716), Anton Romako’s “Italian Fisherman’s Child” (ca. 1873), Egon Schiele’s “Four Trees” (1917), and Oskar Kokoschka’s “The Port in Prague” (1936). The technique Oppenheim used to make the series likewise gestures toward the power of the sun—she exposed the twenty-six photograms under daylight at different times of day, allowing the varying intensity of the sun’s rays to influence the final look of the resulting pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/36557/rdf/internal/media/dispatcher/58004/fullBelvedere Heliograms2012[Lisa Oppenheim]Lisa OppenheimSilver toned silver gelatin print, mounted to aluminumIn 2012, the American artist Lisa Oppenheim was invited to realize a project engaging with the Belvedere’s collection. For her “Belvedere Heliograms,” she isolated the depictions of the sun (“helios,” in Greek) in four historic works: Martino Altomonte’s “Apollo on the Solar Chariot” (1716), Anton Romako’s “Italian Fisherman’s Child” (ca. 1873), Egon Schiele’s “Four Trees” (1917), and Oskar Kokoschka’s “The Port in Prague” (1936). The technique Oppenheim used to make the series likewise gestures toward the power of the sun—she exposed the twenty-six photograms under daylight at different times of day, allowing the varying intensity of the sun’s rays to influence the final look of the resulting pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/36558/rdf/internal/media/dispatcher/58005/fullBelvedere Heliograms2012[Lisa Oppenheim]Lisa OppenheimSilver toned silver gelatin print, mounted to aluminumIn 2012, the American artist Lisa Oppenheim was invited to realize a project engaging with the Belvedere’s collection. For her “Belvedere Heliograms,” she isolated the depictions of the sun (“helios,” in Greek) in four historic works: Martino Altomonte’s “Apollo on the Solar Chariot” (1716), Anton Romako’s “Italian Fisherman’s Child” (ca. 1873), Egon Schiele’s “Four Trees” (1917), and Oskar Kokoschka’s “The Port in Prague” (1936). The technique Oppenheim used to make the series likewise gestures toward the power of the sun—she exposed the twenty-six photograms under daylight at different times of day, allowing the varying intensity of the sun’s rays to influence the final look of the resulting pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/36559/rdf/internal/media/dispatcher/58006/fullBelvedere Heliograms2012[Lisa Oppenheim]Lisa OppenheimSilver toned silver gelatin print, mounted to aluminumIn 2012, the American artist Lisa Oppenheim was invited to realize a project engaging with the Belvedere’s collection. For her “Belvedere Heliograms,” she isolated the depictions of the sun (“helios,” in Greek) in four historic works: Martino Altomonte’s “Apollo on the Solar Chariot” (1716), Anton Romako’s “Italian Fisherman’s Child” (ca. 1873), Egon Schiele’s “Four Trees” (1917), and Oskar Kokoschka’s “The Port in Prague” (1936). The technique Oppenheim used to make the series likewise gestures toward the power of the sun—she exposed the twenty-six photograms under daylight at different times of day, allowing the varying intensity of the sun’s rays to influence the final look of the resulting pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/36560/rdf/internal/media/dispatcher/58007/fullBelvedere Heliograms2012[Lisa Oppenheim]Lisa OppenheimSilver toned silver gelatin print, mounted to aluminumIn 2012, the American artist Lisa Oppenheim was invited to realize a project engaging with the Belvedere’s collection. For her “Belvedere Heliograms,” she isolated the depictions of the sun (“helios,” in Greek) in four historic works: Martino Altomonte’s “Apollo on the Solar Chariot” (1716), Anton Romako’s “Italian Fisherman’s Child” (ca. 1873), Egon Schiele’s “Four Trees” (1917), and Oskar Kokoschka’s “The Port in Prague” (1936). The technique Oppenheim used to make the series likewise gestures toward the power of the sun—she exposed the twenty-six photograms under daylight at different times of day, allowing the varying intensity of the sun’s rays to influence the final look of the resulting pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/36561/rdf/internal/media/dispatcher/58008/fullBelvedere Heliograms2012[Lisa Oppenheim]Lisa OppenheimSilver toned silver gelatin print, mounted to aluminumIn 2012, the American artist Lisa Oppenheim was invited to realize a project engaging with the Belvedere’s collection. For her “Belvedere Heliograms,” she isolated the depictions of the sun (“helios,” in Greek) in four historic works: Martino Altomonte’s “Apollo on the Solar Chariot” (1716), Anton Romako’s “Italian Fisherman’s Child” (ca. 1873), Egon Schiele’s “Four Trees” (1917), and Oskar Kokoschka’s “The Port in Prague” (1936). The technique Oppenheim used to make the series likewise gestures toward the power of the sun—she exposed the twenty-six photograms under daylight at different times of day, allowing the varying intensity of the sun’s rays to influence the final look of the resulting pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/36562/rdf/internal/media/dispatcher/58009/fullBelvedere Heliograms2012[Lisa Oppenheim]Lisa OppenheimSilver toned silver gelatin print, mounted to aluminumIn 2012, the American artist Lisa Oppenheim was invited to realize a project engaging with the Belvedere’s collection. For her “Belvedere Heliograms,” she isolated the depictions of the sun (“helios,” in Greek) in four historic works: Martino Altomonte’s “Apollo on the Solar Chariot” (1716), Anton Romako’s “Italian Fisherman’s Child” (ca. 1873), Egon Schiele’s “Four Trees” (1917), and Oskar Kokoschka’s “The Port in Prague” (1936). The technique Oppenheim used to make the series likewise gestures toward the power of the sun—she exposed the twenty-six photograms under daylight at different times of day, allowing the varying intensity of the sun’s rays to influence the final look of the resulting pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/36563/rdf/internal/media/dispatcher/58010/fullBelvedere Heliograms2012[Lisa Oppenheim]Lisa OppenheimSilver toned silver gelatin print, mounted to aluminumIn 2012, the American artist Lisa Oppenheim was invited to realize a project engaging with the Belvedere’s collection. For her “Belvedere Heliograms,” she isolated the depictions of the sun (“helios,” in Greek) in four historic works: Martino Altomonte’s “Apollo on the Solar Chariot” (1716), Anton Romako’s “Italian Fisherman’s Child” (ca. 1873), Egon Schiele’s “Four Trees” (1917), and Oskar Kokoschka’s “The Port in Prague” (1936). The technique Oppenheim used to make the series likewise gestures toward the power of the sun—she exposed the twenty-six photograms under daylight at different times of day, allowing the varying intensity of the sun’s rays to influence the final look of the resulting pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/36564/rdf/internal/media/dispatcher/58011/fullBelvedere Heliograms2012[Lisa Oppenheim]Lisa OppenheimSilver toned silver gelatin print, mounted to aluminumIn 2012, the American artist Lisa Oppenheim was invited to realize a project engaging with the Belvedere’s collection. For her “Belvedere Heliograms,” she isolated the depictions of the sun (“helios,” in Greek) in four historic works: Martino Altomonte’s “Apollo on the Solar Chariot” (1716), Anton Romako’s “Italian Fisherman’s Child” (ca. 1873), Egon Schiele’s “Four Trees” (1917), and Oskar Kokoschka’s “The Port in Prague” (1936). The technique Oppenheim used to make the series likewise gestures toward the power of the sun—she exposed the twenty-six photograms under daylight at different times of day, allowing the varying intensity of the sun’s rays to influence the final look of the resulting pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/36565/rdf/internal/media/dispatcher/58012/fullBelvedere Heliograms2012[Lisa Oppenheim]Lisa OppenheimSilver toned silver gelatin print, mounted to aluminumIn 2012, the American artist Lisa Oppenheim was invited to realize a project engaging with the Belvedere’s collection. For her “Belvedere Heliograms,” she isolated the depictions of the sun (“helios,” in Greek) in four historic works: Martino Altomonte’s “Apollo on the Solar Chariot” (1716), Anton Romako’s “Italian Fisherman’s Child” (ca. 1873), Egon Schiele’s “Four Trees” (1917), and Oskar Kokoschka’s “The Port in Prague” (1936). The technique Oppenheim used to make the series likewise gestures toward the power of the sun—she exposed the twenty-six photograms under daylight at different times of day, allowing the varying intensity of the sun’s rays to influence the final look of the resulting pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/36566/rdf/internal/media/dispatcher/58013/fullBelvedere Heliograms2012[Lisa Oppenheim]Lisa OppenheimSilver toned silver gelatin print, mounted to aluminumIn 2012, the American artist Lisa Oppenheim was invited to realize a project engaging with the Belvedere’s collection. For her “Belvedere Heliograms,” she isolated the depictions of the sun (“helios,” in Greek) in four historic works: Martino Altomonte’s “Apollo on the Solar Chariot” (1716), Anton Romako’s “Italian Fisherman’s Child” (ca. 1873), Egon Schiele’s “Four Trees” (1917), and Oskar Kokoschka’s “The Port in Prague” (1936). The technique Oppenheim used to make the series likewise gestures toward the power of the sun—she exposed the twenty-six photograms under daylight at different times of day, allowing the varying intensity of the sun’s rays to influence the final look of the resulting pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/36567/rdf/internal/media/dispatcher/58014/fullBelvedere Heliograms2012[Lisa Oppenheim]Lisa OppenheimSilver toned silver gelatin print, mounted to aluminumIn 2012, the American artist Lisa Oppenheim was invited to realize a project engaging with the Belvedere’s collection. For her “Belvedere Heliograms,” she isolated the depictions of the sun (“helios,” in Greek) in four historic works: Martino Altomonte’s “Apollo on the Solar Chariot” (1716), Anton Romako’s “Italian Fisherman’s Child” (ca. 1873), Egon Schiele’s “Four Trees” (1917), and Oskar Kokoschka’s “The Port in Prague” (1936). The technique Oppenheim used to make the series likewise gestures toward the power of the sun—she exposed the twenty-six photograms under daylight at different times of day, allowing the varying intensity of the sun’s rays to influence the final look of the resulting pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/36568/rdf/internal/media/dispatcher/58015/fullBelvedere Heliograms2012[Lisa Oppenheim]Lisa OppenheimSilver toned silver gelatin print, mounted to aluminumIn 2012, the American artist Lisa Oppenheim was invited to realize a project engaging with the Belvedere’s collection. For her “Belvedere Heliograms,” she isolated the depictions of the sun (“helios,” in Greek) in four historic works: Martino Altomonte’s “Apollo on the Solar Chariot” (1716), Anton Romako’s “Italian Fisherman’s Child” (ca. 1873), Egon Schiele’s “Four Trees” (1917), and Oskar Kokoschka’s “The Port in Prague” (1936). The technique Oppenheim used to make the series likewise gestures toward the power of the sun—she exposed the twenty-six photograms under daylight at different times of day, allowing the varying intensity of the sun’s rays to influence the final look of the resulting pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/36569/rdf/internal/media/dispatcher/58016/fullBelvedere Heliograms2012[Lisa Oppenheim]Lisa OppenheimSilver toned silver gelatin print, mounted to aluminumIn 2012, the American artist Lisa Oppenheim was invited to realize a project engaging with the Belvedere’s collection. For her “Belvedere Heliograms,” she isolated the depictions of the sun (“helios,” in Greek) in four historic works: Martino Altomonte’s “Apollo on the Solar Chariot” (1716), Anton Romako’s “Italian Fisherman’s Child” (ca. 1873), Egon Schiele’s “Four Trees” (1917), and Oskar Kokoschka’s “The Port in Prague” (1936). The technique Oppenheim used to make the series likewise gestures toward the power of the sun—she exposed the twenty-six photograms under daylight at different times of day, allowing the varying intensity of the sun’s rays to influence the final look of the resulting pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/36570/rdf/internal/media/dispatcher/58018/fullBelvedere Heliograms2012[Lisa Oppenheim]Lisa OppenheimSilver toned silver gelatin print, mounted to aluminumIn 2012, the American artist Lisa Oppenheim was invited to realize a project engaging with the Belvedere’s collection. For her “Belvedere Heliograms,” she isolated the depictions of the sun (“helios,” in Greek) in four historic works: Martino Altomonte’s “Apollo on the Solar Chariot” (1716), Anton Romako’s “Italian Fisherman’s Child” (ca. 1873), Egon Schiele’s “Four Trees” (1917), and Oskar Kokoschka’s “The Port in Prague” (1936). The technique Oppenheim used to make the series likewise gestures toward the power of the sun—she exposed the twenty-six photograms under daylight at different times of day, allowing the varying intensity of the sun’s rays to influence the final look of the resulting pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/36571/rdf/internal/media/dispatcher/58019/fullBelvedere Heliograms2012[Lisa Oppenheim]Lisa OppenheimSilver toned silver gelatin print, mounted to aluminumIn 2012, the American artist Lisa Oppenheim was invited to realize a project engaging with the Belvedere’s collection. For her “Belvedere Heliograms,” she isolated the depictions of the sun (“helios,” in Greek) in four historic works: Martino Altomonte’s “Apollo on the Solar Chariot” (1716), Anton Romako’s “Italian Fisherman’s Child” (ca. 1873), Egon Schiele’s “Four Trees” (1917), and Oskar Kokoschka’s “The Port in Prague” (1936). The technique Oppenheim used to make the series likewise gestures toward the power of the sun—she exposed the twenty-six photograms under daylight at different times of day, allowing the varying intensity of the sun’s rays to influence the final look of the resulting pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/36572/rdf/internal/media/dispatcher/58020/fullBelvedere Heliograms2012[Lisa Oppenheim]Lisa OppenheimSilver toned silver gelatin print, mounted to aluminumIn 2012, the American artist Lisa Oppenheim was invited to realize a project engaging with the Belvedere’s collection. For her “Belvedere Heliograms,” she isolated the depictions of the sun (“helios,” in Greek) in four historic works: Martino Altomonte’s “Apollo on the Solar Chariot” (1716), Anton Romako’s “Italian Fisherman’s Child” (ca. 1873), Egon Schiele’s “Four Trees” (1917), and Oskar Kokoschka’s “The Port in Prague” (1936). The technique Oppenheim used to make the series likewise gestures toward the power of the sun—she exposed the twenty-six photograms under daylight at different times of day, allowing the varying intensity of the sun’s rays to influence the final look of the resulting pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/36573/rdf/internal/media/dispatcher/58021/fullBelvedere Heliograms2012[Lisa Oppenheim]Lisa OppenheimSilver toned silver gelatin print, mounted to aluminumIn 2012, the American artist Lisa Oppenheim was invited to realize a project engaging with the Belvedere’s collection. For her “Belvedere Heliograms,” she isolated the depictions of the sun (“helios,” in Greek) in four historic works: Martino Altomonte’s “Apollo on the Solar Chariot” (1716), Anton Romako’s “Italian Fisherman’s Child” (ca. 1873), Egon Schiele’s “Four Trees” (1917), and Oskar Kokoschka’s “The Port in Prague” (1936). The technique Oppenheim used to make the series likewise gestures toward the power of the sun—she exposed the twenty-six photograms under daylight at different times of day, allowing the varying intensity of the sun’s rays to influence the final look of the resulting pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/36574/rdf/internal/media/dispatcher/58022/fullBelvedere Heliograms2012[Lisa Oppenheim]Lisa OppenheimSilver toned silver gelatin print, mounted to aluminumDie US-amerikanische Künstlerin Lisa Oppenheim wurde 2012 eingeladen, ein Projekt zur Sammlung des Belvedere zu realisieren. Für die „Belvedere Heliograms“ isolierte sie die Darstellungen der Sonne (gr. „helios“) aus vier historischen Werken: „Apollo auf dem Sonnenwagen“ (1716) von Martino Altomonte, „Italienisches Fischerkind“ (um 1873) von Anton Romako, „Vier Bäume“ (1917) von Egon Schiele und „Der Prager Hafen“ (1936) von Oskar Kokoschka. Auch in ihrer künstlerischen Umsetzung verweist die Serie auf die Kraft der Sonne – Oppenheim belichtete die 26 Fotogramme zu verschiedenen Zeiten im Tageslicht. Die wechselnde Intensität der Sonnenstrahlen konnte somit gestalterischen Einfluss auf die Bilder nehmen. Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/36575/rdf/internal/media/dispatcher/58023/fullBelvedere Heliograms2012[Lisa Oppenheim]Lisa OppenheimSilver toned silver gelatin print, mounted to aluminumIn 2012, the American artist Lisa Oppenheim was invited to realize a project engaging with the Belvedere’s collection. For her “Belvedere Heliograms,” she isolated the depictions of the sun (“helios,” in Greek) in four historic works: Martino Altomonte’s “Apollo on the Solar Chariot” (1716), Anton Romako’s “Italian Fisherman’s Child” (ca. 1873), Egon Schiele’s “Four Trees” (1917), and Oskar Kokoschka’s “The Port in Prague” (1936). The technique Oppenheim used to make the series likewise gestures toward the power of the sun—she exposed the twenty-six photograms under daylight at different times of day, allowing the varying intensity of the sun’s rays to influence the final look of the resulting pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/36576/rdf/internal/media/dispatcher/58024/fullBelvedere Heliograms2012[Lisa Oppenheim]Lisa OppenheimSilver toned silver gelatin print, mounted to aluminumIn 2012, the American artist Lisa Oppenheim was invited to realize a project engaging with the Belvedere’s collection. For her “Belvedere Heliograms,” she isolated the depictions of the sun (“helios,” in Greek) in four historic works: Martino Altomonte’s “Apollo on the Solar Chariot” (1716), Anton Romako’s “Italian Fisherman’s Child” (ca. 1873), Egon Schiele’s “Four Trees” (1917), and Oskar Kokoschka’s “The Port in Prague” (1936). The technique Oppenheim used to make the series likewise gestures toward the power of the sun—she exposed the twenty-six photograms under daylight at different times of day, allowing the varying intensity of the sun’s rays to influence the final look of the resulting pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/36577/rdf/internal/media/dispatcher/58025/fullBelvedere Heliograms2012[Lisa Oppenheim]Lisa OppenheimSilver toned silver gelatin print, mounted to aluminumIn 2012, the American artist Lisa Oppenheim was invited to realize a project engaging with the Belvedere’s collection. For her “Belvedere Heliograms,” she isolated the depictions of the sun (“helios,” in Greek) in four historic works: Martino Altomonte’s “Apollo on the Solar Chariot” (1716), Anton Romako’s “Italian Fisherman’s Child” (ca. 1873), Egon Schiele’s “Four Trees” (1917), and Oskar Kokoschka’s “The Port in Prague” (1936). The technique Oppenheim used to make the series likewise gestures toward the power of the sun—she exposed the twenty-six photograms under daylight at different times of day, allowing the varying intensity of the sun’s rays to influence the final look of the resulting pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/36578/rdf/internal/media/dispatcher/58026/fullBelvedere Heliograms2012[Lisa Oppenheim]Lisa OppenheimSilver toned silver gelatin print, mounted to aluminumIn 2012, the American artist Lisa Oppenheim was invited to realize a project engaging with the Belvedere’s collection. For her “Belvedere Heliograms,” she isolated the depictions of the sun (“helios,” in Greek) in four historic works: Martino Altomonte’s “Apollo on the Solar Chariot” (1716), Anton Romako’s “Italian Fisherman’s Child” (ca. 1873), Egon Schiele’s “Four Trees” (1917), and Oskar Kokoschka’s “The Port in Prague” (1936). The technique Oppenheim used to make the series likewise gestures toward the power of the sun—she exposed the twenty-six photograms under daylight at different times of day, allowing the varying intensity of the sun’s rays to influence the final look of the resulting pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/36579/rdf/internal/media/dispatcher/58028/fullBelvedere Heliograms2012[Lisa Oppenheim]Lisa OppenheimSilver toned silver gelatin print, mounted to aluminumIn 2012, the American artist Lisa Oppenheim was invited to realize a project engaging with the Belvedere’s collection. For her “Belvedere Heliograms,” she isolated the depictions of the sun (“helios,” in Greek) in four historic works: Martino Altomonte’s “Apollo on the Solar Chariot” (1716), Anton Romako’s “Italian Fisherman’s Child” (ca. 1873), Egon Schiele’s “Four Trees” (1917), and Oskar Kokoschka’s “The Port in Prague” (1936). The technique Oppenheim used to make the series likewise gestures toward the power of the sun—she exposed the twenty-six photograms under daylight at different times of day, allowing the varying intensity of the sun’s rays to influence the final look of the resulting pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/50182/rdf/internal/media/dispatcher/128002/fullTerror2012[Henrike Naumann]Henrike NaumannVideo installation (CRT-TV, furniture, candleholder, video (VHS-video, digitized, 4:3, color, sound, German with English subtitles))Henrike Naumann’s installation undertakes a sensitive reconstruction of the teenage experience in Germany in the years after reunification. The video “Amnesia” shows a group of friends getting caught up in a drug-fueled frenzy in Ibiza; “Terror,” meanwhile, shadows Beate, Böhni, and Uwe from Jena as they slowly but inexorably descend into right-wing radicalism. Naumann’s mock home video fictionalizes the “last summer of innocence” in the lives of Beate Zschäpe, Uwe Böhnhardt, and Uwe Mundlos—the trio who formed the terrorist group NSU (“National Socialist Underground”) and, beginning in the late 1990s, committed a spree of racially motivated murders and bombings. Naumann uses furniture and objects to stage the period of the events. Interior design as metaphor?Film/video arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/89545/rdf/internal/media/dispatcher/128001/fullAmnesia2012[Henrike Naumann]Henrike NaumannVideo installation (CRT-TV, furniture, vases, video (VHS-video, digitized, 4:3, color, sound, German with English subtitles))Henrike Naumann’s installation undertakes a sensitive reconstruction of the teenage experience in Germany in the years after reunification. The video “Amnesia” shows a group of friends getting caught up in a drug-fueled frenzy in Ibiza; “Terror,” meanwhile, shadows Beate, Böhni, and Uwe from Jena as they slowly but inexorably descend into right-wing radicalism. Naumann’s mock home video fictionalizes the “last summer of innocence” in the lives of Beate Zschäpe, Uwe Böhnhardt, and Uwe Mundlos—the trio who formed the terrorist group NSU (“National Socialist Underground”) and, beginning in the late 1990s, committed a spree of racially motivated murders and bombings. Naumann uses furniture and objects to stage the period of the events. Interior design as metaphor?Film/video arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/89546/rdf/internal/media/dispatcher/87436/fullzentrum (julia)2011[Dorit Margreiter Choy]Dorit Margreiter ChoyMobile, metal construction, paintDorit Margreiters Installation „zentrum (julia)“ entstammt einer Werkserie, in der sich die Künstlerin mit der modernistischen Wohnbausiedlung Brühlzentrum in Leipzig beschäftigt. Besonders interessiert sie sich dabei für die dort eingesetzten Schrifttypen. Die hängende Skulptur basiert auf ebendiesen typografischen Elementen: Die einzelnen Teile des Mobiles sind als Buchstaben interpretierbar, die von der Künstlerin weiterbearbeitet wurden. In Margreiters Auseinandersetzung mit der Formensprache abstrakter Avantgarden überlagern sich Wort und Bild, Information und Abstraktion. Nicht von ungefähr lässt die Arbeit auch an Mobiles des US-amerikanischen Künstlers Alexander Calder denken.Object arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/64241/rdf/internal/media/dispatcher/36435/fullUntitled2010[Svenja Deininger]Svenja DeiningerOil on canvasQuestions of conception and composition, of the effect of the pictorial space upon the viewer and of how the work guides our gaze, underlie Svenja Deininger’s paintings. On the formal level, her spare works revisit the abstract geometric vocabulary of modernist movements. Yet her arrangements on the canvas are not rooted in a definite pictorial idea: “I start out with abstract shapes, I see something in them, and then use painting to lead the way there,” the artist describes her creative process. In this untitled oil painting, she arrays rectangles in a muted palette in rhythmical succession. The result is an interplay between equilibrium and irritation enhanced by deliberately placed accents.Paintinghttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/19811/rdf/internal/media/dispatcher/135424/fullNorden2010–2012[Ingrid Wiener]Ingrid Wiener12 Gobelins bestehend aus Wolle, Seide und Kunstseide, Original Lederhemd von Lincoln Ellsworth, Vor- und Nebenarbeiten (Aquarell, Zeichnungen, Collagen, Fotos, digitale Drucke, Fundstücke)Object arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/93740/rdf/internal/media/dispatcher/102002/full[Skulpture For Camilla Birke And Maria Likarz (Viennese Workshops)]2009[Verena Dengler]Verena DenglerCD stand, fabric, plaster, silkscreen, embroidered pictureCombining technical savvy with playful ease, Verena Dengler makes installations based on the visual vocabulary of both high and popular culture, incorporating snippets of avant-garde art as well as designer objects and everyday implements. Interspersed between them are references to artisan craftwork, as in “Sculpture for Camilla Birke and Maria Likarz (Wiener Werkstätte).” The assemblage of objects is dedicated to the long-forgotten artists named in the title, associates of the Vienna Workshop, in its time an influential and successful creative venture. In Dengler’s meditation on recollection and contemporary recreation, on appropriation and upward revaluation, a knitted picture with patterns drafted by the two designers encounters a modified CD rack.Object arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/19131/rdf/internal/media/dispatcher/28059/fullSchwimmer im Mondlicht2008[Silke Otto-Knapp]Silke Otto-KnappWatercolor and gouache on canvasDrawing arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/16140/rdf/internal/media/dispatcher/83379/fullBird2008[Tillman Kaiser]Tillman KaiserEgg tempera and silkscreen on canvasTillman Kaiser’s pictures, collages, sculptures, and objects are abstract and figurative, flat and three-dimensional, associative and concrete at once. Composed of symmetrical crystalline structures, lozenges, and rectangles, the artist’s rhythmically dynamic works suggest the fascinating gaze through a kaleidoscope. The limited palette and the visual idiom of the artist’s pictures reflect his studies in the avant-gardes of the early twentieth century. The painting quotes and varies ideas and considerations from Viennese Kineticism. Sigmund Freud’s theses on psychoanalysis as well as elements of science fiction are also among Kaiser’s sources of inspiration. Paintinghttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/16720/rdf/internal/media/dispatcher/24418/full[Untitled (Typeface Large)]2008[Johanna Kandl]Johanna KandlTempera and egg tempera on canvasPaintinghttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/16881/rdf/internal/media/dispatcher/30651/fullUNKNOWN AVANT GARDE - GROUPE DADA, Paris, 19222008[Anna Artaker]Anna ArtakerPrint on baryta paperWhich role does photography play in the writing of history? That is the question Anna Artaker probes in her research-oriented practice, which is largely based on historic imagery. The series “Unknown Avant-Garde” analyzes the systematic exclusion of women from the art-historical canon through a study of ten photographs of prominent movements in the art of the twentieth century. Each of the group portraits features a single woman artist amid her male colleagues. Artaker unearthed the stories of additional women members who had faded into obscurity. In the accompanying captions, she inserts their names in place of those of the male protagonists who appear in the pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/25566/rdf/internal/media/dispatcher/30652/fullUNKNOWN AVANT GARDE SURREALISTS, Paris, 19242008[Anna Artaker]Anna ArtakerPrint on baryta paperWhich role does photography play in the writing of history? That is the question Anna Artaker probes in her research-oriented practice, which is largely based on historic imagery. The series “Unknown Avant-Garde” analyzes the systematic exclusion of women from the art-historical canon through a study of ten photographs of prominent movements in the art of the twentieth century. Each of the group portraits features a single woman artist amid her male colleagues. Artaker unearthed the stories of additional women members who had faded into obscurity. In the accompanying captions, she inserts their names in place of those of the male protagonists who appear in the pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/25568/rdf/internal/media/dispatcher/30653/fullUNKNOWN AVANT GARDE - BAUHAUS, Dessau, 19262008[Anna Artaker]Anna ArtakerPrint on baryta paperWhich role does photography play in the writing of history? That is the question Anna Artaker probes in her research-oriented practice, which is largely based on historic imagery. The series “Unknown Avant-Garde” analyzes the systematic exclusion of women from the art-historical canon through a study of ten photographs of prominent movements in the art of the twentieth century. Each of the group portraits features a single woman artist amid her male colleagues. Artaker unearthed the stories of additional women members who had faded into obscurity. In the accompanying captions, she inserts their names in place of those of the male protagonists who appear in the pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/25569/rdf/internal/media/dispatcher/30654/fullUNKNOWN AVANT GARDE, EXPERMINENTELE GROEP, Amsterdam, 19492008[Anna Artaker]Anna ArtakerPrint on batyta paperWhich role does photography play in the writing of history? That is the question Anna Artaker probes in her research-oriented practice, which is largely based on historic imagery. The series “Unknown Avant-Garde” analyzes the systematic exclusion of women from the art-historical canon through a study of ten photographs of prominent movements in the art of the twentieth century. Each of the group portraits features a single woman artist amid her male colleagues. Artaker unearthed the stories of additional women members who had faded into obscurity. In the accompanying captions, she inserts their names in place of those of the male protagonists who appear in the pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/25571/rdf/internal/media/dispatcher/30655/fullUNKNOWN AVANT GARDE - COBRA, Paris, 19492008[Anna Artaker]Anna ArtakerPrint on baryta paperWhich role does photography play in the writing of history? That is the question Anna Artaker probes in her research-oriented practice, which is largely based on historic imagery. The series “Unknown Avant-Garde” analyzes the systematic exclusion of women from the art-historical canon through a study of ten photographs of prominent movements in the art of the twentieth century. Each of the group portraits features a single woman artist amid her male colleagues. Artaker unearthed the stories of additional women members who had faded into obscurity. In the accompanying captions, she inserts their names in place of those of the male protagonists who appear in the pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/25572/rdf/internal/media/dispatcher/30656/fullUNKNOWN AVANT GARDE - ABSTRACT EXPRESSIONISTS, New York, 19502008[Anna Artaker]Anna ArtakerPrint on baryta paperWhich role does photography play in the writing of history? That is the question Anna Artaker probes in her research-oriented practice, which is largely based on historic imagery. The series “Unknown Avant-Garde” analyzes the systematic exclusion of women from the art-historical canon through a study of ten photographs of prominent movements in the art of the twentieth century. Each of the group portraits features a single woman artist amid her male colleagues. Artaker unearthed the stories of additional women members who had faded into obscurity. In the accompanying captions, she inserts their names in place of those of the male protagonists who appear in the pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/25573/rdf/internal/media/dispatcher/30657/fullUNKNOWN AVANT GARDE - SITUATIONIST INTERNATIONAL, London, 19602008[Anna Artaker]Anna ArtakerPrint on baryta paperWhich role does photography play in the writing of history? That is the question Anna Artaker probes in her research-oriented practice, which is largely based on historic imagery. The series “Unknown Avant-Garde” analyzes the systematic exclusion of women from the art-historical canon through a study of ten photographs of prominent movements in the art of the twentieth century. Each of the group portraits features a single woman artist amid her male colleagues. Artaker unearthed the stories of additional women members who had faded into obscurity. In the accompanying captions, she inserts their names in place of those of the male protagonists who appear in the pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/25574/rdf/internal/media/dispatcher/30658/fullUNKNOWN AVANT GARDE - GROUP SPUR, Schwabing, 19612008[Anna Artaker]Anna ArtakerPrint on baryta paperWhich role does photography play in the writing of history? That is the question Anna Artaker probes in her research-oriented practice, which is largely based on historic imagery. The series “Unknown Avant-Garde” analyzes the systematic exclusion of women from the art-historical canon through a study of ten photographs of prominent movements in the art of the twentieth century. Each of the group portraits features a single woman artist amid her male colleagues. Artaker unearthed the stories of additional women members who had faded into obscurity. In the accompanying captions, she inserts their names in place of those of the male protagonists who appear in the pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/25576/rdf/internal/media/dispatcher/30659/fullUNKNOWN AVANT GARDE - AUSTRIA FILMMAKERS COOPERATIVE, Vienna, 19682008[Anna Artaker]Anna ArtakerPrint on baryta paperWhich role does photography play in the writing of history? That is the question Anna Artaker probes in her research-oriented practice, which is largely based on historic imagery. The series “Unknown Avant-Garde” analyzes the systematic exclusion of women from the art-historical canon through a study of ten photographs of prominent movements in the art of the twentieth century. Each of the group portraits features a single woman artist amid her male colleagues. Artaker unearthed the stories of additional women members who had faded into obscurity. In the accompanying captions, she inserts their names in place of those of the male protagonists who appear in the pictures.Photographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/25577/rdf/internal/media/dispatcher/74986/full1/22008[Florian Pumhösl]Florian PumhöslSynthetic resin lacquer on reverse of glass platePaintinghttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/56344/rdf/internal/media/dispatcher/105163/fullHorror Vacui2008[Lisl Ponger]Lisl PongerC-PrintPhotographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/80581/rdf/internal/media/dispatcher/26293/fullBal de Purée2007[Isa Schmidlehner]Isa SchmidlehnerMixed media on molinoPaintinghttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/13372/rdf/internal/media/dispatcher/74984/fullModernology 212007[Florian Pumhösl]Florian PumhöslSynthetic resin lacquer on reverse of glass platePaintinghttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/56343/rdf/internal/media/dispatcher/43565/full[Portraits And Sausage]2006[Marcus Geiger]Marcus GeigerWood, needle felting, mens shoes, various stuffingThe Secession has been a recurrent concern in Marcus Geiger’s oeuvre: in 1922, he pulled a black pom-pom hat over the golden dome; six years later, he coated the building’s façade with red paint; and in the sprawling installation “Portraits and Sausage,” he reproduced the iconic group portrait of the institution’s founding fathers. In the historic photograph, the seven artists pose around a large sausage-shaped roll of fabric. For his own version of the scene, Geiger manufactured figures modeled on representatives of the contemporary art world and clad in needle felting. The reenactment may be read as an ironic comment about the protagonists of today’s arts scene.Object arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/18708/rdf/internal/media/dispatcher/142776/fullI used to live in Vienna, now I live in L. A. and the paintings have followed me here2006[Marcin Maciejowski]Marcin MaciejowskiOil on canvasPaintinghttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/19482/rdf/internal/media/dispatcher/146083/fullPlant which makes faces (Datura)2005[Lois Weinberger]Lois WeinbergerPermanentmarker auf Papier, Stechapfelsamen, Holz bemalt, Stecknadeln, GlasDrawing arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/86280/rdf/internal/media/dispatcher/146072/fullHommage Otti Berger2004-2007[Marko Lulić]Marko LulićCotton fabricMarko Lulić’s installations, sculptures, videos, and photographs address political and social ideologies, systems, and institutions. He is especially interested in the ways in which politics influences art and culture. The patchwork curtain “Homage Otti Berger” is dedicated to the eponymous Austrian weaver and designer, who worked at the Bauhaus. As a “non-Aryan alien,” she was banned from her profession in 1936. Her plans to escape to the United States came to naught, and in 1944, Otti Berger was murdered in Auschwitz. Lulić’s textile work reprises the modernist formal idiom of a draft design in the Bauhaus style and reinterprets it for a contemporary room. Object arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/15853/rdf/internal/media/dispatcher/4955/fullEveryone has one idea of freedom that allows no one else to have another2001[Markus Muntean, Adi Rosenblum]Markus MunteanAcrylic on canvasGedanke, Träume, Wünsche – transportiert in Bildgeschichten. Die dargestellten jungen Menschen werden in unterschiedlichen Situationen in Pose gestellt, beeinflusst durch Medien, Idole und Trends. Beinahe fühlt man sich in eine Filmsequenz versetzt, durch Staffelung der Personen wird Tiefe erzeugt, ausschnitthaft werden pathetische Gesten simuliert. Die Komposition, der Aufbau scheinen genau durchdacht und doch - alles soll in der jeweiligen Einstellung auf eine Zufälligkeit des Alltags verweisen. Markus Muntean (Graz) und Adi Rosenblum (Haifa/Israel) arbeiten seit 1992 gemeinsam. Jugendkultur ist das Thema, das ihre Arbeiten beherrscht. Aber es ist nicht eine Kunst, die von Jugendlichen gemacht ist, sondern ein Statement von jungen Künstlern über eine Zeit, die vom ständigen Nacheifern von Idolen, von Streben nach Perfektion und dem Versuch, die Erwartungshaltungen der anderen zu befriedigen, gekennzeichnet ist. „Everyone has one idea of freedom that allows no one else to have another“. So lautet der Text der 2001 vom Belvedere angekauften Arbeit, dargestellt werden zwei junge Männer. Ihre Haltung lässt eine gewisse Gleichgültigkeit und Langeweile erkennen. Die Arbeiten des Künstlerpaares bestehen aus unterschiedlichen Medien: Video, Malerei, Fotografie, Installation. Sie entstehen zum größten Teil durch den Einfluss von Life-Style und Fashionmagazinen, worin fast nie Abbildungen von reifen und erwachsenen Menschen zu finden sind, denn unsere Gesellschaft basiert auf dem Prinzip der Jugendlichkeit. Bedeutend in der Verwertung der Magazine ist der Umstand, dass die Zwiespältigkeit zwischen Image und Wirklichkeit aufgezeigt werden soll. Dies geschieht aber allerdings nicht mit einer moralisierenden Komponente, sondern soll einzig und allein in das Leben junger Menschen Einblick gewähren. Adi Rosenblum und Markus Muntean sehen sich in dieser Funktion vor allem als Regisseure, die den Verlauf einer bestimmten Filmsequenz zu kontrollieren und zu beeinflussen vermögen. (Thomas Trummer, 2001)Paintinghttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/10448/rdf/internal/media/dispatcher/32224/fullDictio Pii2001[Markus Schinwald]Markus Schinwald35 mm film (transferred to DVD), color, sound, 16 min (looped)Zentrale Themen im künstlerischen Oeuvre Markus Schinwalds sind Körper und Psyche des Menschen sowie deren Unvollkommenheiten und Unzulänglichkeiten, häufig inszeniert der Künstler diese in Arbeiten, in welchen das Unheimliche eine tragende Rolle einnimmt. In seinem Film "Dictio Pii" wandeln sieben Protagonisten durch ein Hotel. Trotz eines stark narrativen Charakters ist keine logische oder dramaturgische Abfolge der teils kafkaesken Szenen zu erkennen, einzig durch den gemeinsamen Schauplatz sind sie lose miteinander verbunden. Es wirkt, als habe man die Schlüsselszenen eines Films aneinandergereiht. Die Grundstimmung ist geprägt von einer unheimlichen und unheilvollen, tief beklemmenden Atmosphäre, diese wird durch eine treibende musikalische Begleitung verstärkt. Die Menschen in "Dictio Pii" wirken in ihrem Agieren unfrei und zwanghaft, teilweise sogar fremdbestimmt, Prothesen und einschränkende Eingriffe an Körper und Kleidung zwingen sie zu artifiziellen Gesten und Haltungen. Durch die Darsteller selbst erfährt der Betrachter nichts über die Motive ihres rätselhaften Tuns, sie bewegen sich in einer nonverbalen Welt, einzig die repetitive textliche Unterlegung des Films scheint Auskunft über Befindlichkeit und Selbstwahrnehmung zu geben: „[…] living in the sensation of being everything and the certitude of being nothing […] we are deranged.“ Markus Schinwald konstruiert und inszeniert eine kühle Wirklichkeit, nimmt Anleihen bei der darstellenden Kunst – seine Prothesen und Apparate wirken wie Maskierungen –, lädt die Szenerien durch Musik und ein wiederholt vorgetragenes kryptisches Textstück zusätzlich auf. Durch verschiedene raffiniert aufeinander abgestimmte und choreografierte Medien entsteht so ein komplexes Wirkungsgefüge. — [Véronique Aichner, 10/2011]Film/video arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/10591/rdf/internal/media/dispatcher/72637/fullUntitled1997[Herbert Brandl]Herbert BrandlOil on canvasPaintinghttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/56246/rdf/internal/media/dispatcher/157914/fullOne Minute Sculptures1997/2000[Erwin Wurm]Erwin WurmVideo (looped)Erwin Wurm’s work tests the limits of sculpture. In the late 1990s, he begins separating the authorship of his art from its execution by having others perform actions. Following precise graphic or written instructions, individuals pose and interact with perfectly ordinary objects in absurd ways. The sixty-second performative acts produce temporary sculptures that are recorded in photographs or on video. Seasoned with humor, Wurm’s “One Minute Sculptures” explore the sculptural potentials of commonplace situations, actions, and objects.Film/video arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/66212/rdf/internal/media/dispatcher/124746/fullOne of the things I always ask my straight students is how their heterosexuality influences their work.1997/2018[Matthias Herrmann]Matthias HerrmannC-Print laminated on aluminum, framed, UV glassPhotographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/87118/rdf/internal/media/dispatcher/122727/fullMalhemd der 40. Malaktion1997[Hermann Nitsch]Hermann NitschOil on fabric, wooden slatObject arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/93253/rdf/internal/media/dispatcher/128915/fullPortable Smoking Area1996[Sarah Lucas]Sarah LucasWood, chair, iron, light bulb, weights A cantilever chair with obvious signs of wear and tear and a red-lacquered stand on casters supporting a wooden box play the main parts in this work by Sarah Lucas. As one of the key Young British Artists, Lucas achieved international acclaim in the late 1980s. The object Portable Smoking Area was made at a time when smoking indoors was still the norm and can be understood as a wry commentary on individual needs and collective rules. Its potential function as a mobile smoking cabin is immediately apparent, closely followed by questions concerning its possible use in a museum context, and its overarching role as a work of art. Object arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/61353/rdf/internal/media/dispatcher/88354/fullUntitled1994-1998[Heimo Zobernig]Heimo ZobernigCardboard, wood, screws, felt-tipCrossing boundaries of media, the art of Heimo Zobernig, who emerged on the scene in the early 1980s, has been defined by searching reflections on colors, materials, and aesthetic effects. In this instance, a cardboard object on a wooden pedestal forms a contorted infinite loop. The work’s formal appearance is the medium of an interrogation of the exhibition framework. The museum itself becomes the object of investigation. The box serving as base gestures toward the conditions under which works of art are presented, stored, shipped, and manipulated. By relying on the most inexpensive supplies, Zobernig also demonstrates how a work of art can question the legitimacy of its own presence in the museum setting.Sculpturehttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/10076/rdf/internal/media/dispatcher/117215/fullRote-Zusammengenähte-Fotos1993–1995 / 2018[Maria Hahnenkamp]Maria HahnenkampSequenz von C-Prints, zusammengenäht und collagiertPhotographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/85199/rdf/internal/media/dispatcher/117216/fullRote-Zusammengenähte-Fotos1993–1995 / 2018[Maria Hahnenkamp]Maria HahnenkampSequenz von C-Prints, zusammengenäht und collagiertPhotographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/85200/rdf/internal/media/dispatcher/117217/fullRote-Zusammengenähte-Fotos1993–1995 / 2018[Maria Hahnenkamp]Maria HahnenkampSequenz von C-Prints, zusammengenäht und collagiertPhotographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/85201/rdf/internal/media/dispatcher/117219/fullRote-Zusammengenähte-Fotos1993–1995 / 2018[Maria Hahnenkamp]Maria HahnenkampSequenz von C-Prints, zusammengenäht und collagiertPhotographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/85202/rdf/internal/media/dispatcher/117220/fullRote-Zusammengenähte-Fotos1993–1995 / 2018[Maria Hahnenkamp]Maria HahnenkampSequenz von C-Prints, zusammengenäht und collagiertPhotographyhttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/85203/rdf/internal/media/dispatcher/146070/full[Vertical Panorama, Filled]1991[Walter Obholzer]Walter ObholzerTempera on aluminum„In einer merkwürdigen Umrahmung ‚rahmt‘ das Kunstwerk in der Galerie die ganze Galerie und ihre Gesetze“, schriebt Brian O’Doherty in seinem berühmten Essay „In der weißen Zelle. Inside the White Cube.“ Diese merkwürdige Umrahmung ist es, die Walter Obholzer zum Thema seiner Arbeiten macht, wenn er die „Vertikalen Panoramen“, das sind schmale, hochformatige Tafelbilder, gemalt mit Tempera auf Aluminium, mit Stuckleisten umgibt. Zu sehen sind Ausschnitte von Ornamentfolgen, die gleichsam einem Musterbuch für Wanddekors entnommen zu sein scheinen. Bei den seriellen Anordnungen von Kreisen, Passformen, floralen und geometrischen Formen handelt es sich um Verweise auf unterschiedliche zeitliche und kulturelle Zusammenhänge, in denen diese Ornamente vorkommen, sei es als Wandmalerei in Fresco oder Sgraffito, als Scheinarchitektur und Groteskenmalerei oder in Form von Maß- und Flechtwerk, Rocaille oder Bandelwerk. Aus dem Kontext genommen, werden die ornamentalen Zeichen aber zu Markierungen für die kulturellen und räumlichen Verschiebungen, die die Wahrnehmung des Raumes und damit seine Konstruierbarkeit erfahren haben. Einhergehend mit dem Paradigmenwechsel des Raumes von der Hülle zum Akteur, wie er schließlich in der Minimal Art vollzogen worden ist, entwickelt sich eine facettenreiche Geschichte des White Cube, des weißen, auf wenige Parameter reduzierten Ausstellungsraumes. Auf die Hegemonie des White Cube reagiert Walter Obholzer , indem er am Ende der 80er Jahre des 20. Jahrhunderts beginnt, mit seinen Panoramen den Blick auf eine weiter gefasste Geschichtlichkeit zu öffnen. Im leeren Raum, der als Imaginationsraum für die Allgegenwart des Bilduniversums steht, werden mit den Ornamentleisten Malschichten gleichsam freigelegt. Man könnte meinen, dass die Bilder unter der weißen Hülle bereits da waren. Obholzer scheint die Panoramen zu verorten. Die ursprünglich im architektonischen Verband angelegte Wandmalerei hat sich mit der Entwicklung des Tafelbildes zusehends mobilisiert. In der Rückblende kommt dieser Verortung jedoch eine neue Aufgabe zu. So handelt es sich nicht um eine Wiedergewinnung traditioneller, identitätsstiftender Kategorien, vielmehr schärfen die Panoramen den Blick auf die Bedingungen des Raums und die Bedingungen der Lesbarkeit von Raum und Bild. Der Versuch, die Leserichtung vertikal anzulegen, richtet sich gegen die sukzessive Abfolge von Bildern, gegen das Nebeneinander, gegen eine filmische Ordnung der Dinge. Die Integration von Bild und weißer Wand kann dabei nicht im Sinne einer Wiederbelebung des Gesamtkunstwerks gesehen werden, in dem die unterschiedlichen Gattungen koexistieren und ineinandergreifen, sondern Walter Obholzer schafft mit seinen „Vertikalen Panoramen“ Schnitte, die sich als Referenzen auf historische Traditionen im Sinne einer Kritik verstehen. Die kritische Raumteilung betont eine Zeitlichkeit, die nicht vom Kontinuum, sondern von einer Streuung geprägt ist. Mit „Zaun“, einem Tafelbild, das die grobe Form eines Jägerzauns stilisiert, durchbricht Walter Obholzer jegliche Verdinglichung, indem er das Bild bloß an die Wand lehnt. Seine konkrete Form konterkariert er durch die lose Präsentation (Eva Maria Stadler, 5/2008)Paintinghttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/14043/rdf/internal/media/dispatcher/146071/full[Vertical Panorama, Paola]1989[Walter Obholzer]Walter ObholzerTempera on aluminum„In einer merkwürdigen Umrahmung ‚rahmt‘ das Kunstwerk in der Galerie die ganze Galerie und ihre Gesetze“, schriebt Brian O’Doherty in seinem berühmten Essay „In der weißen Zelle. Inside the White Cube.“ Diese merkwürdige Umrahmung ist es, die Walter Obholzer zum Thema seiner Arbeiten macht, wenn er die „Vertikalen Panoramen“, das sind schmale, hochformatige Tafelbilder, gemalt mit Tempera auf Aluminium, mit Stuckleisten umgibt. Zu sehen sind Ausschnitte von Ornamentfolgen, die gleichsam einem Musterbuch für Wanddekors entnommen zu sein scheinen. Bei den seriellen Anordnungen von Kreisen, Passformen, floralen und geometrischen Formen handelt es sich um Verweise auf unterschiedliche zeitliche und kulturelle Zusammenhänge, in denen diese Ornamente vorkommen, sei es als Wandmalerei in Fresco oder Sgraffito, als Scheinarchitektur und Groteskenmalerei oder in Form von Maß- und Flechtwerk, Rocaille oder Bandelwerk. Aus dem Kontext genommen, werden die ornamentalen Zeichen aber zu Markierungen für die kulturellen und räumlichen Verschiebungen, die die Wahrnehmung des Raumes und damit seine Konstruierbarkeit erfahren haben. Einhergehend mit dem Paradigmenwechsel des Raumes von der Hülle zum Akteur, wie er schließlich in der Minimal Art vollzogen worden ist, entwickelt sich eine facettenreiche Geschichte des White Cube, des weißen, auf wenige Parameter reduzierten Ausstellungsraumes. Auf die Hegemonie des White Cube reagiert Walter Obholzer , indem er am Ende der 80er Jahre des 20. Jahrhunderts beginnt, mit seinen Panoramen den Blick auf eine weiter gefasste Geschichtlichkeit zu öffnen. Im leeren Raum, der als Imaginationsraum für die Allgegenwart des Bilduniversums steht, werden mit den Ornamentleisten Malschichten gleichsam freigelegt. Man könnte meinen, dass die Bilder unter der weißen Hülle bereits da waren. Obholzer scheint die Panoramen zu verorten. Die ursprünglich im architektonischen Verband angelegte Wandmalerei hat sich mit der Entwicklung des Tafelbildes zusehends mobilisiert. In der Rückblende kommt dieser Verortung jedoch eine neue Aufgabe zu. So handelt es sich nicht um eine Wiedergewinnung traditioneller, identitätsstiftender Kategorien, vielmehr schärfen die Panoramen den Blick auf die Bedingungen des Raums und die Bedingungen der Lesbarkeit von Raum und Bild. Der Versuch, die Leserichtung vertikal anzulegen, richtet sich gegen die sukzessive Abfolge von Bildern, gegen das Nebeneinander, gegen eine filmische Ordnung der Dinge. Die Integration von Bild und weißer Wand kann dabei nicht im Sinne einer Wiederbelebung des Gesamtkunstwerks gesehen werden, in dem die unterschiedlichen Gattungen koexistieren und ineinandergreifen, sondern Walter Obholzer schafft mit seinen „Vertikalen Panoramen“ Schnitte, die sich als Referenzen auf historische Traditionen im Sinne einer Kritik verstehen. Die kritische Raumteilung betont eine Zeitlichkeit, die nicht vom Kontinuum, sondern von einer Streuung geprägt ist. Mit „Zaun“, einem Tafelbild, das die grobe Form eines Jägerzauns stilisiert, durchbricht Walter Obholzer jegliche Verdinglichung, indem er das Bild bloß an die Wand lehnt. Seine konkrete Form konterkariert er durch die lose Präsentation (Eva Maria Stadler, 5/2008)Paintinghttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/14044/rdf/internal/media/dispatcher/19885/full[On Red Ground]1988[Florentina Pakosta]Florentina PakostaOil on canvasPaintinghttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/9476/rdf/internal/media/dispatcher/146178/fullMansarde1987–1988[Wolfgang Herzig]Wolfgang HerzigOil on canvasPaintinghttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/9489/rdf/internal/media/dispatcher/146089/fullShoponna und Alajerevor 1987[Susanne Wenger]Susanne WengerÖl auf SperrholzPaintinghttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/93573/rdf/internal/media/dispatcher/72476/fullWord, Sentence, Paragraph (Z.&N.) in German1986[Joseph Kosuth]Joseph KosuthWallpaper, neon tubes, cables, power transformersA cofounder of Conceptual Art, the American artist Joseph Kosuth, who emerges on the scene in the 1960s, pursues a radically analytical approach informed both by Ludwig Wittgenstein’s theory of language and by Sigmund Freud’s psychoanalysis. In “Word, Sentence, Paragraph (Z. & N.),” he quotes a passage from Freud’s “Psychopathology of Everyday Life”: he mounts an enlarged photographic print on the wall and crosses it out with white neon tubes, which both obscure and illuminate the excerpt. Freud analyzes verbal slips in times of war; Kosuth, for his part, addresses himself to the individual elements of texts, toying with the production and obliteration of meaning.Conceptual arthttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/56263/rdf/internal/media/dispatcher/29870/fullOhne Titel1985[Gerwald Rockenschaub]Gerwald RockenschaubOil on canvasDie frühen Arbeiten von Gerwald Rockenschaub lassen sich dem „Neo-Geo“ (Neue Geometrie) der 1980er-Jahre zuordnen. Ihre klare und präzise Bildsprache weist Bezüge zur abstrakten Avantgarde der Moderne auf, geht aber ebenso auf Elemente der Alltagskultur zurück: Rockenschaubs gegenstandslose Malerei erinnert mitunter an poppige Logos. Einfache geometrische Grundformen in starken Farbkontrasten lassen dabei ein assoziationsreiches Spiel visueller Bedeutungen zu. Während dieses Bild noch gemalt ist, entstehen spätere Entwürfe am Computer. Systematisch reduziert der Künstler die eigene Handschrift und lässt seine installativen und skulpturalen Arbeiten aus industriell gefertigtem Material herstellen. Paintinghttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/23673/rdf/internal/media/dispatcher/29871/fullUntitled1985[Gerwald Rockenschaub]Gerwald RockenschaubOil on canvasGerwald Rockenschaub’s early work can be classed under the label “Neo-Geo” (New Geometry), a movement of the 1980s. Its lucid and accurate visual language harks back to the abstract art of the modernist avant-garde but also incorporates elements of everyday culture: some of Rockenschaub’s nonrepresentational paintings bring the pop aesthetics of commercial logos to mind. Basic geometric shapes and vigorous color contrasts invite a wide variety of interpretations and visual associations. This work is still painted by hand; for later creations, the artist uses a computer, systematically paring down the features that show his hand and having his installations and sculptures manufactured out of industrially produced materials.Paintinghttps://sammlungtest.belvedere.at/objects/23674/rdf